собрал 10 современных российских художников (уверены, их намного больше), которые, возможно, впишут свое имя в классику живописи 21 века.
Современный Русский импрессионизм
В российских городах прошли обыски и задержания художников. Виртуальная галерея, в которой представлены лучшие произведения талантливого художника — живописца в стиле реализма и символизма. Художник входит в список Лучших современных художников России по версии ARTEEX. «Участие в Art Russia — это великолепная возможность увидеть свое творчество в контексте других членов огромного цеха лучших российских художников». Виртуальная галерея, в которой представлены лучшие произведения талантливого художника — живописца в стиле реализма и символизма. Мы должны говорить о том, что Союз художников России представляет традиционную линию в современном искусстве и классическое искусство.
9 молодых художников, за которыми стоит следить в 2024 году
Его колорит лаконичен, почти монохромен - художник играет с оттенками серого, серебристого и желтоватого цветов, активно работает со светом и тенью, создавая загадочный, словно ускользающий, молчаливый мир. Другой автор галереи - Михаил Блинов, который работает в академической технике живописи, а собственный стиль характеризует как «мистический реализм». Стенд D-18.
Нужно проанализировать ее, чтобы понять, что может сработать лет через пять-шесть. И важно нащупать собственную идентичность — что интересно именно тебе. Идеи, которые волнуют прямо сейчас У меня изначально сформировался такой подход, что я стараюсь ту или иную тему развивать из раза в раз.
Для меня во всем важна последовательность — как в идеях, которые мне интересны, так и в выставочной деятельности. У меня одна персональная выставка вытекает из другой. Возможно, эта своеобразная преемственность не сразу считывается и даже для меня иногда становится неожиданностью. Я понимаю, что, например, моя последняя выставка в галерее «Сцена» связана с первой, которую я делал площадке «Старт». Идея, которая интересовала меня тогда, интересует и сейчас и, скорее всего, будет интересовать дальше.
Я хочу последовательно развивать тему картины как способа взаимодействия со зрителем. Мне интересна проблематика этого взаимодействия. Как зритель воспринимает искусство в контексте современных онлайн-выставок, когда не имеет непосредственного доступа к работе и видит ее через фото? Сейчас у меня есть серия, которую я начал делать и не закончу, пока не случится персональной выставки, когда смогу всю показать целиком. Я буду продолжать заниматься живописью и скульптурой.
Меня сейчас все больше интересуют ремесленные техники и природные материалы — например, керамика. Мне хотелось бы двигаться в сторону большей грубости и материальности искусства. Мика Плутицкая, 38 лет, автор перформансов, живописных и графических работ Мика родилась в Москве. Окончила бакалавриат Университета Хартфордшира по специальности «изобразительное искусство» и получила степень BA Hons. По мнению кураторов, Мика работает с проблематикой, на которую всегда будет спрос: это тема советского наследия и изучение того, как оно в нас уживается — не столько на интеллектуальном уровне, сколько на сенсорном.
У Плутицкой есть исследовательская жилка, которая позволяет копать глубже, приумножать и потом воплощать в художественные образы. Мика творчески перерабатывает образы и трудолюбиво, как муравей, их пестует, что, безусловно, ведет ее к успеху. Эксперты отмечают, что это более западный формат работы — когда к творческой профессии относятся не просто как к дару свыше, который снизошел, а к способностям, которые можно и нужно развивать. Художник показывает, как работает сам механизм восприятия визуальной культуры. Задача дизайнера сделать так, чтобы было удобно и красиво.
А цель современного художника сделать так, чтобы, возможно, наоборот, зрителю стало дискомфортно, и то восприятие действительности, которое ему казалось чем-то само собой разумеющимся, оказалось под сомнением. Мне ближе всего и наиболее интересен именно этот аспект. Хотя, конечно, у современного искусства есть и развлекательные функции. Компонент шоу — это классно, в нем нет ничего плохого, как многие думают. Например, когда видишь скульптуру Луизы Буржуа и не можешь понять, что это за штука смотрит на тебя сверху, это паук, твой собственный страх или просто абстракция.
Или когда смотришь на перформанс Марины Абрамович — как она в красном платье сидит прекрасная за столом — и в этом тоже есть, конечно, элемент шоу, театральности. И на мою выставку люди идут в свободный от работы день, чтобы провести досуг — в этом тоже есть момент зрелищности. Если резюмировать, то для современного искусства важны три компонента: исследовательский, развлекательный и духовный. В XX и XXI веках влияние религии на жизнь людей претерпело изменения, и часть этого «функционала» взяло на себя искусство. Его смотрят в том числе для того, чтобы получить духовный опыт.
Я сама переживала нечто подобное несколько раз. И, наверное, самое крутое, когда все три элемента синхронизируются и случаются со зрителем одновременно. Мика Плутицкая. Холст, масло. Фото: Александра Павловская Мика Плутицкая.
Например, рыночная. Но до этого уровня нам всем далеко, как до луны. Так продает свои работы очень небольшое количество художников. Возникает второй критерий — институциональная успешность: насколько твои работы признаны арт-сообществом, представлены в институциях. Есть много художников, создающих произведения, которые не могут быть в принципе проданы.
Просто потому что это, например, перформанс или какая-нибудь сложная инсталляция, осуществить которую можно только при поддержке музея и соответствующего бюджета. Или есть художники, которые занимаются чем-то мимолетным: они делают очень хрупкие произведения искусства, которые тоже в общем-то невозможно продать, но можно показать в музее, в медиацентре. Оба эти критерия можно применить в качестве мерила успешности, но и их нам как будто мало. Когда мы говорим, что хорошим можно считать лишь то искусство, которое покупается или которое берут институции, мы определяем успех слишком узко, ведь реальность всегда гораздо шире, чем фокус рынка или институций. Существует множество примеров, когда художники десятилетиями делали работы, которые не были ни коммерчески, ни институционально успешны.
Например, Люсьен Фрейд — художник из относительно недавнего прошлого, который сейчас считается классиком второй половины XX века. Он 15 лет писал обнаженных с натуры, в то время как все вокруг делали сначала гигантские абстракции, потом концептуальные работы в фотографии. Никто произведения Люсьена Фрейда в тот момент не покупал, выставлялся он редко. Про него говорили: «А, этот чудак, которые пишет уродливых голых мужиков, это невозможно продать». А он перевернул традицию обнаженности в живописи.
Казалось бы, это невозможно — настолько тема была избитая, а ему удалось. Если говорить обо мне, то я бы сказала, что двигаюсь к успеху, когда у меня есть, во-первых, исследовательская задача, во-вторых, понимание, какими методами ее можно решить, и, в-третьих, сообщество людей, с которыми можно это обсудить. Если у тебя есть планы на следующие пять лет и ты знаешь, что хочешь делать дальше, мне кажется, это путь, который приведет к успеху. Ведь рано или поздно работа даст свои плоды. Если ты делаешь ее качественно, то она будет замечена и в том числе принесет тебе выставки, доход, признание.
На мой вкус, нужно прежде всего для себя сформулировать, что для вас успех. Если в вашем понимании это в первую очередь продажи, то, очевидно, вам необязательно заниматься сложным исследованием, а можно, например, девочек-аниме в эротических позах рисовать — скорее всего: на них будет большой спрос. И это ок — если вам подходит. Гостьи, 2020. Фото: Иван Ерофеев Мика Плутицкая.
У всех ресурсы очень разные. Если, допустим, ты понимаешь, что у тебя какого-то ресурса нет — например, образования а это очень важный ресурс , — то хорошо бы подумать, как его получить. Если у тебя есть комьюнити, то есть люди, которые занимаются тем же, что и ты, которые могут тебя поддержать, — это тоже важный ресурс. Если его нет, то можно комьюнити найти или создать. Главное — не путать комьюнити с тусовкой, это разные вещи.
Но самый важный ресурс — это время на работу, и найти его — очень сложная задача. В общем, траектория к успеху у всех очень разная. Я много думала, как получить образование. В итоге училась в России в филиале британского ВУЗа. Он дает британский диплом, который позволит мне продолжать обучение в Европе или США.
Обучение обошлось мне во столько же примерно, сколько оно стоило бы в Лондоне. Не уезжать за границу было моим личным выбором. Я его сделала исходя из своих финансовых и личных возможностей. Само по себе образование было недешевым, но жить в Великобритании и покупать там материалы для работы — это уже для меня было бы трудно, я реалистично оценивала свои возможности. Я думаю, что в России, к сожалению, большие сложности с образованием, особенно это касается современного искусства.
У нас трудности с советским наследием, так как система именно художественного образования после Советского Союза не реформирована. Если в других гуманитарных дисциплинах — к примеру, в психологии или социологии — это не так заметно, то в области искусства очень сильно бросается в глаза. К сожалению, все классические ВУЗы, где можно получить художественное образование, мягко говоря, отстали на очень много лет. Там не учат понятийному аппарату и языку, который нужен современному художнику, хотя дают очень хорошие навыки практической работы. В этом смысле мне кажутся более продвинутыми ВУЗы, которые занимаются подготовкой в кино и фотографии — они изначально используют более современные методы преподавания.
В то время как Художественное училище им. Мухиной работает по таким же принципам, как и 150 лет назад, и это совершенно точно нужно менять. Как в детстве карусель. Экспозиционный вид, галерея Артвин, Cube. Куратор Анна Журба.
Я много работала, много читала, но не понимала, как мне дальше продвигаться качественно, как строить свою практику, как ставить себе задачи, почему не получается выставляться на более профессиональных выставках. Образование многие из этих вопросов решило, и у меня появились сфокусированная практика, планы и перспективы. Я поняла, на каком языке разговаривать с кураторами, как подавать заявки и вообще работать дальше. Я считаю, образование нужно, потому что оно дает язык, практические навыки, возможность попасть в комьюнити и в целом представление о том, как твоя область устроена. Сейчас в Высшей школе экономики появилось отделение по современному искусству.
В Британской высшей школе дизайна есть сразу два отделения по современному искусству — российское и британское, это филиал Хартфордширского университета, именно там я училась. О том, обязательно ли молодому художнику жить и работать в Москве или Санкт-Петербурге Совершенно точно необязательно жить в Москве и Питере, чтобы стать замеченным другими современным художником в России. Алиса хорошо понимает, кто она, что делает и как. Это то, что лично я плохо умею делать. Честно говоря, с ужасом думаю, что придется заводить тикток.
Артем Филатов и Вова Чернышев — другой пример очень успешных художников, создающих теперь не только свои работы, но и новый центр современного искусства в Нижнем Новгороде. О том, как молодому современному художнику попасть на международную выставку Я не могу сказать, что у меня огромный опыт в этом вопросе. Есть международные открытые опен-коллы. Нужно их регулярно мониторить и находить ту тему и круг вопросов, которыми занимаешься. Моя одногруппница Саша Павловская делает скульптуры очень маленького размера — с ладонь, не больше.
Она нашла опен-колл в Нью-Йорке, который был специально для маленьких работ, и написала туда. Ее попросили прислать свою работу, она нашла способ, как отправить, и в итоге у нее была выставка в Нью-Йорке. Если ты следишь за открывающимися возможностями, что-то подвернется. Частная коллекция. Кроме опен-коллов, есть резиденции и конкурсы, в том числе международные, куда любой человек может подать заявку.
Но, если судить по моему опыту, на масштабные конкурсы а-ля ежегодная премия Музея архитектуры и дизайна в Чикаго можно даже не подаваться. Они берут довольно большую входную плату, а вероятность того, что будет какой-то выхлоп, не очень высока. Лучше участвовать в опен-коллах конкретно по своей тематике и знать, что именно от этой конкретной возможности вы хотите. Резиденция — прекрасный способ завязать профессиональные знакомства. Там у вас будет куратор и с вами вместе будут жить и работать еще несколько художников, скорее всего, из разных стран.
Вы все перезнакомитесь, подружитесь и у вас наверняка найдутся какие-то пересечения, а дальше кто-то из них когда-то вас куда-то обязательно позовет. У меня был подобный опыт в Норвегии. Я съездила в резиденцию — и после этого несколько моих знакомых оттуда периодически мне что-то предлагали. Иногда кураторы, зная твои работы, могут тебя пригласить в международный проект. Нетворкинг или налаживание коммуникативных связей — это тоже одна из задач современного художника.
Нужно развивать, собственную социальную сеть из тех, с кем вы хотите и можете работать. Сейчас в период пандемии, когда в целом сложно выставляться, есть такая возможность, как публикации в журналах, которые пишут про художников. Таких изданий довольно много — американских, европейских, азиатских, — и они тоже делают опен-коллы. У меня есть несколько знакомых, чьи работы таким образом попадали на страницы зарубежных изданий. Акварель, бумага.
Не реформируя систему художественного образования, мы, конечно, сами себе просто стреляем в ногу. Это сильно отрезает нас от мирового искусства. Наша страна сейчас не стремится открываться миру. Это, безусловно, сказывается и на художниках. Мне кажется, что с нашей культурой в целом плохо знакомы в мире.
Знают в основном какие-то упрощенные плоские штампы, мало кто понимает нюансы нашего контекста. Когда я училась, я с этим сталкивалась. По сути, это наша задача — рассказать про свою культуру, а для этого нам нужно быть открытыми, активными и много работать, чтобы то искусство, которое мы производили, было интересно миру и востребовано на международной арене. Пока с этим, на мой взгляд, сложно. Такой момент, что русское искусство за рубежом воспринимают как экзотику, все еще присутствует.
О том, сколько денег в России приносит искусство На мой взгляд, с этим тоже очень сложно. Если мы говорим про молодых художников, то у них впереди минимум лет десять работы прежде чем придет признание. Если у вас покупают работы, прикиньте, сколько стоит ваша работа в среднем и сколько вам нужно продать, чтобы два года спокойно жить и заниматься своей практикой, потом прикиньте, насколько это реалистично. Гонорары же, увы, в большинстве случаев не предусмотрены даже в случае выставки в музеях, а если и есть, то чисто символические. Иногда институция может предложить компенсировать производство работы — и по нынешним временами это уже не так плохо.
Но оплата производства — это не гонорар, и вопрос, на что вы будете дальше снимать квартиру и мастерскую, останется. Я бы очень советовала иметь план Б, так как перспективы зарабатывать исключительно продажей работ мне кажутся весьма туманными. Собственно, у меня самой такая стратегия — есть стабильная работа на полставки, которая всегда прокормит. Музеи продают билеты на выставки и получают с этого доход, но часто не платят гонорар художникам, так не должно быть. Музей современного искусства «Гараж» — редкая институция, которая заплатила гонорары за участие в 2-й Триеннале.
Это гонорар в районе 10 000—15 000 рублей. На меня в 2021 году свалился гонорар в 50 000 рублей за выставку, и это небывалое чудо! Но в Москве, если скромно жить и не снимать мастерскую, их хватит разве что на месяц. И такой гонорар — исключение из правил, разовая история, обычно платят 5000—15 000 рублей. Часто, если институция не может предложить тебе гонорар, она предоставляет резиденцию.
Опять же «Гараж» платил символический гонорар за выставку, но давал возможность полгода работать в мастерских, давал стипендию на материалы, и это была существенная помощь. Фото: Дарья Никотина Мика Плутицкая. Все зависит от того, какая работа покупается, где и кем. Моя самая скромная продажа — рисунок за 7 000 рублей. Если говорить про большую живопись, то это может быть существенная сумма — допустим, 10 000 евро, но из этой суммы половина — это процент галереи.
Такие продажи случаются нечасто, и их невозможно спрогнозировать. Я думаю, что для молодых художников важна финансовая независимость. Она дает свободу выбора, куда двигаться: на какой опен-колл подавать заявку, а на какой нет, с кем работать, а с кем нет. Идеи, которые волнуют прямо сейчас В этом году я делаю серию, готовить которую начала в прошлом году — она про заброшенный пионерский лагерь. Меня интересует не столько реальность этого места, а скорее руины советского прошлого, которые являются частью внутреннего ландшафта культуры, нашего психического ландшафта.
Это важная тема моей практики — критическое переосмысление советского, когда мы смотрим на него из современности. Как мы воспринимаем останки империи, на которых все живем, как мы с ними соотносим себя и как их понимаем. Я собираюсь заниматься этой темой в ближайшие пять лет, а, возможно, и десять. Здесь до сих пор есть мощный эмоциональный заряд. Советское прошлое не переварено, не деактивировано, оно до сих пор действует невидимо, как некое магнитное поле или как радиация, мы ее не всегда видим, а она действует.
И только мы можем его переработать, никто это за нас не сделает. О своей самой большой творческой амбиции Наверное, любой художник скажет, что хочет персональную выставку в «Тейт Модерн».
Номинанты «Премии Кандинского» 2019 , лауреаты премии «Инновация» 2020. В нашем случае это территория города, которого нет. Точнее, его какое-то время не было. Чуть более десяти лет назад мы начали переизобретать собственное место рождения. Теперь этот город существует, но не привязан к определенной локации. Он перемещается и присутствует одновременно в нескольких местах. Из проекта он превратился в реально ощутимую местность, совместность, а мы переименовались из микро-арт-группы в микротерриторию и чаще называем себя не художниками, а резидентами по отношению к тому, что создано. Как современному художнику заявить о себе Однажды удалось сформулировать принцип — «для себя и вообще».
Если честно, помог в этом фильм «Контакт». В нем ученая на протяжении жизни отправляет сигналы в космос, ждет ответа и однажды получает его. Принцип заключается в том, чтобы ориентироваться на внутренний отклик и по возможности задействовать каналы ретрансляции, любые публичные форматы. Тогда, возможно, индивидуальный художественный язык будет услышан, и последует ответная реакция — найдутся единомышленники. В среде современного искусства важно не столько достучаться до самых заметных институций или известных личностей, сколько найти своих. Без названия из проекта «Острова» , 2013. Разбившаяся тарелка, найденные кусочки ткани, ручное шитье, склеивание. Куратору 5-й Московской биеннале современного искусства Катрин де Зегер нас порекомендовал Александр Сигутин, когда Катрин была у него в мастерской. А пересеклись с Александром мы вообще в Краснодаре, когда в мастерской группировки ЗИП открыли выставку «Микротерритория». SRSLY устраивал там серию выставок, которые должны были запускаться одновременно, но почти все открытия были сорваны провокаторами.
Только нашей микровыставке повезло открыться вовремя. Она была последней в программе, удаленной от центра, и к нам дошло всего два провокатора. Как только начались словесные выпады с их стороны, публика этих двоих взяла и аккуратно вынесла на улицу. Мы открылись благодаря публике, а на биеннале попали не потому, что нас кто-то продвигал. Нашелся единомышленник и при случае рассказал о нас. О том, обязательно ли молодому художнику жить и работать в Москве или Санкт-Петербурге Центр и периферия — это разные ритмы, режимы действия. Можно выбрать более подходящий, переключаться. Мы никогда не жили в Санкт-Петербурге, лишь шесть месяцев провели в Москве в мастерских музея «Гараж». За пределами столиц легче уйти в себя, прислушаться, замедлиться. Но, конечно, порой необходимо посмотреть со стороны на то, что ты делаешь, почувствовать творческую общность.
И в этом помогают активные региональные связи: в стране не один, не два, а множество центров, работающих наравне со столичными площадками. Пластик с берега Черного моря, ткань, ручное шитье. Для нас это способ переместиться в новый контекст, ощутить другой ритм. В нашей практике почти нет отсылки к национальной специфике. Поэтому, оказываясь за пределами России, на другой территории, мы продолжаем выстраивать органичные связи, развивать собственный язык, и он становится общим. Мы не чувствуем проблем с переводом или специфической реакции как на представителей страны. О своих ориентирах в мире искусства Искусство интересно тем, что постоянно теряет и находит собственное определение. Мы часто задаемся вопросом: что для нас искусство? Искусство ли то, что мы делаем? В чем безотносительная ценность собственной практики?
Можно сказать, что это бесконечный диспут о границах — личных и явления в целом. С другой, возникает желание расширить само это поле. Или же, если представить его всеобъемлющим, переключаться между навигацией и телепортацией в случайную область. Например, в формате резиденция-коллаборация, который микротерритория может предложить. Это коллективная не художественная практика, у ее участников разнообразный бэкграунд и возраст. Мы пригласили их в Ижевск и предложили обратить коллективное внимание на микрорайон, где новостройки «Новый город» постепенно замещают дачные кооперативы. Между девелопментом и утопиями частных построек смещается перепаханная экскаваторами полоса. Такая переходная зона с фрагментами домов, мебели, вещей — жизни, условно, «старого города». Зал «горонтальной школы», выставка-лаборатория «То, что ещё не случилось», 2021. Фото: Максим Амельченко Зал «горонтальной школы», выставка-лаборатория «То, что ещё не случилось», 2021.
Завораживает именно «переходность», когда границы смещаются. И оказалось большой удачей, что участники «горизонтальной школы» в результате обошлись без произведений. Наработки, собранные ими в инсталляцию на базе «КЦ» в Ижевске, затем переместились на выставку-лабораторию «То, что еще не случилось» в «ЦК19» в Новосибирск. Вдохновляет ощущение, которое с Ильей мы ухватили как то, что представлен «сырой материал». Это разомкнутость отдельных объектов, это невозможность распознать отдельных художников или поддерживающее перетекание от одного к другому, одного в другое. Кажется, что в этом дрейфе границ искусство раскрывается как всеобщая деятельность и открывает множество перспектив. Идеи, которые волнуют прямо сейчас Если в трех словах, «Музей с доставкой». Этот год в целом для нас — большая стройка. Мы активируем множество связей, контактов, которые Город Устинов вокруг себя накопил. Можно сказать, мы наблюдаем принимая активное участие за тем, как артефакты, практики, сложившийся рукотворный ландшафт обрастают архитектурой отношений.
Он окончил Московское художественное училище прикладного искусства бывшее имени Калинина и Иконописную школу при Московской духовной академии, обучался в Институте «База» Москва. Персональные выставки Антона проходили в Центре «Красный» 2016, 2017 , на площадке молодого искусства «Старт» Центра современного искусства «Винзавод» «Сомнительное основание», Москва, 2017 , в галерее «Электрозавод» «Без опоры», Москва, 2017 и в галерее «Сцена» «Ты, только после», Москва, 2019, «Пустоцвет», Москва, 2021. Также являлся участником программы Мастерских и арт-резиденций Музея «Гараж» 2019 и 2-й Триеннале российского современного искусства Музей современного искусства «Гараж», Москва, 2020. Антон имеет большую практику работы как художник-монументалист, и она для него очень важна. Он хорошо знает историю искусства, в том числе российского конца XIX — начала XX века, явно играет с ней в своих последних работах, при этом может ее концептуализировать, а это уверенная стратегия успеха. Тем более что живопись стабильно пользуется популярностью на рынке, на нее всегда есть спрос как у коллекционеров, так и в целом у зрителей. Я охарактеризовал бы современного художника как фигуру, которая проблематизирует само понятие искусства. Ведь оно по сути дела никому не нужно и в теории абсолютно бесполезно, потому что не несет в себе конкретного функционала, не входит в спектр тех или иных задач. Как современному художнику заявить о себе Мне кажется, что у всех представление об успехе разное. В том числе и у каждого художника — свое, причем оно не связано с конкретной выставочной деятельностью, продажами или известностью.
Лично для меня, например, успех — это когда люди, которых уважаешь, говорят, что ты двигаешься в правильном направлении. И тогда я ощущаю, что у моей художественной практики правильный вектор, который не то чтобы одобряем, но понятен и согласуется с видением тех, чьи взгляды мне близки. О своих ориентирах в мире искусства Это сложный вопрос, потому что не хочется кого-то упомянуть, а кого-то нет. Основная проблема, наверное, в том, что сегодня для тебя важно мнение одного человека, а завтра оно уже не так ценно. Мне кажется, ориентиры — это временное явление для каждого художника. Когда я учился в Институте современного искусства «БАЗА», мне было безусловно важно мнение преподавателей и моих сокурсников. Потом я стал участником центра «Красный» — и точно так же меня тогда волновало, что думают ребята, которые состоят в этом сообществе. В общем, по мере развития твоей практики в те или иные периоды на тебя имеют силу воздействия разные люди. Поэтому, на мой взгляд, важно не только полагаться на мнение тех, кого ты уважаешь, но и сохранять верность самому себе, уметь слышать свой внутренний голос, оставаться в ладу с собственными ощущениями. По моим ощущениям, вокруг прогрессивных московских и питерских галерей сформировалась определенная среда молодых художников.
В Москве, к сожалению, история с самоорганизацией за последнюю пару лет сошла на нет — в том числе в связи с финансовым кризисом. Их практически не осталось по сравнению с серединой 10-х годов. В свое время и меня как художника активно питала и вдохновляла среда, сформировавшаяся вокруг самоорганизаций. То же самое касается и школ современного искусства. Очень много молодых художников, которые до сих пор объединены этим бывшим студенчеством. Мне кажется, знакомства на базе этих школ тоже важная составляющая внутренней заряженности. О том, нужно ли молодому художнику жить и работать в Москве или Санкт-Петербурге Это очень провокативная тема. К тому же, я совершенно не эксперт в ней, ведь сам родился и вырос в Москве. Естественно, все мои представления о современном искусстве связаны исключительно со столицей, а также с Санкт-Петербургом, где я жил и работал. Мне кажется, эти два города очень тесно связаны между собой.
Но я не могу однозначно утверждать, что художнику нужно жить и работать в Москве или Санкт-Петербурге, потому что это будет звучать суперколониально. Думаю, много классных художников, которых действительно нужно видеть, живут и развиваются в разных регионах страны. В Санкт-Петербурге я знаю целое комьюнити ребят, которые из Кемерова и из Сибири. Мне кажется, это характерно именно для Питера, что туда приезжает много людей из регионов и они друг друга поддерживают. Понятно, что это прозвучит просто чудовищно, но, на мой взгляд, на местах нужно поддерживать активность самостоятельно, а не ждать, когда из Москвы приедет условно Музей современного искусства «Гараж». Самая основная проблема, наверное, найти помещение. Если оно есть, то вокруг него, как правило, возникает деятельность. Я считаю, самоорганизация — основной инструмент для современных художников, особенно в России. Нельзя просто сидеть и ждать, что какая-то институция или богатый человек, или галерея придет и наведет порядок. И я призываю молодых ребят в регионах объединяться, как бы сложно это ни было.
Находите людей, создавайте комьюнити, делайте выставки хоть в квартире на кухне, хоть в подъезде, хоть во дворе, хоть в гараже — неважно где. Мне кажется, через такие объединения и самоорганизации можно развивать активность в своем городе. Кстати, для этого есть классный инструмент — соцсети. Они повлияли на все сферы жизни, в том числе, естественно, на искусство. Причем на его развитие оказывают положительное влияние. Теперь художник имеет возможность показывать свои работы и благодаря обратной связи определиться со стратегией — что демонстрировать, о чем говорить, что спрашивать, с кем общаться. Сейчас можно и выставку сделать онлайн, хотя, на мой взгляд, с произведением искусства важнее контактировать физически. О том, сколько денег в России приносит искусство Мне кажется, о том, что на современном искусстве в России можно зарабатывать, надо просто забыть навсегда. Если думать о деньгах, то твое творчество будет полностью зависеть от вкусов тех людей, которые могут заплатить. А, как правило, у них просто чудовищный вкус.
Кроме того, исходя из своего, пусть и небольшого в этом вопросе опыта, я могу сказать, что в России всё достаточно скромно по части продаж искусства. К тому же, нет никаких гарантий, и на постоянный доход точно не стоит рассчитывать. Но я считаю, что такая ситуация для современного художника достаточно выигрышная. Если ты имеешь постоянную работу, которая приносит небольшой, но стабильный доход, то в каком-то смысле свободен и можешь все свое время заниматься любимым делом. К тебе не придет какой-то коллекционер или галерист и не скажет: «Слушай, это не продастся, надо сделать по-другому». Я начинающий художник и с галереей сотрудничаю всего два года — это очень мало. Но могу сказать, что стабильность и регулярность заработка абсолютно невозможно спрогнозировать. Это зависит от многих факторов, которые чаще всего не складываются в единую цепочку. Что касается цен на искусство, то это тоже очень сложный вопрос, и не потому, что я хочу уйти от ответа, а потому, что это неоднородная среда. Галереи сами совместно с художниками определяют диапазон цен на искусство.
Впервые я продал свою работу за 100 евро, когда в центре «Красный» мы решили сделать аукцион, на котором цены на всё были 100 евро. Большой удачей можно считать гонорар 2000—3000 евро за одну работу. Помимо продажи работ или гонораров за участие в выставках, есть еще поддержка фондов и различных институций, причем она бывает очень разной. Например, гранты, которых немного в России, но они всё-таки есть. И это возможность не только заработать, но еще и социализироваться, обратить на себя внимание, что тоже крайне важно. О том, как воспринимают русское искусство за рубежом Русское искусство не востребовано в мире. И это связано вовсе не с тем, что мы отстаем от мирового арт-комьюнити или у нас нет талантливых художников. Есть те, кто успешно работает в Европе, сотрудничает с галереями. Мне кажется, причина кроется в токсичном образе России в целом, в том числе и нашего искусства. И мы стали заложниками этой ситуации.
Как бы нам ни хотелось, чтобы было по-другому, но это невозможно. О том, как молодому художнику попасть на международную выставку Чтобы начать сотрудничать с европейскими галереями, нужно и везение, и непрерывная работа, в том числе саморазвитие, расширение собственных знаний, развитие кругозора, постоянный мониторинг того, что и где делают. Я, например, стараюсь смотреть интервью европейских и американских художников. Знание английского языка — важный фактор нормальной коммуникации. Нужно знакомиться и активно общаться с другими художниками, а также с кураторами. Но, безусловно, важно, что ты делаешь. Если твое искусство не современное в широком понимании, то тогда будет очень сложно. Если галерея активно возит твои работы на ярмарки, то это один из способов, чтобы тебя заметили. Но это долгий и непростой путь, многое зависит мотивации. Мы достаточно сильно изолированы от Европы, у нас свое закрытое арт-сообщество.
Российскому художнику для того, чтобы его просто заметили за рубежом, нужно делать в 100 раз больше, чем европейскому. Хотя в Европе мощнейшая конкуренция, ведь у них давно отстроена образовательная система в сфере искусства и очень много действительно крутых молодых художников. О том, насколько важно творить в контексте и есть ли в современном искусстве тренды К счастью или к сожалению — не знаю, но в искусстве это так не работает. Если ориентируешься на какой-то тренд, то ты уже опоздал. Задача художника именно в том, чтобы предсказывать, предугадывать, увидеть точку за поворотом… И вот это как раз сложно, ведь ты изначально должен понять сам механизм, а для этого нужно очень много поработать. Ни один тренд не появляется просто так — за ним есть целая история. Нужно проанализировать ее, чтобы понять, что может сработать лет через пять-шесть. И важно нащупать собственную идентичность — что интересно именно тебе. Идеи, которые волнуют прямо сейчас У меня изначально сформировался такой подход, что я стараюсь ту или иную тему развивать из раза в раз. Для меня во всем важна последовательность — как в идеях, которые мне интересны, так и в выставочной деятельности.
У меня одна персональная выставка вытекает из другой. Возможно, эта своеобразная преемственность не сразу считывается и даже для меня иногда становится неожиданностью. Я понимаю, что, например, моя последняя выставка в галерее «Сцена» связана с первой, которую я делал площадке «Старт». Идея, которая интересовала меня тогда, интересует и сейчас и, скорее всего, будет интересовать дальше. Я хочу последовательно развивать тему картины как способа взаимодействия со зрителем. Мне интересна проблематика этого взаимодействия. Как зритель воспринимает искусство в контексте современных онлайн-выставок, когда не имеет непосредственного доступа к работе и видит ее через фото? Сейчас у меня есть серия, которую я начал делать и не закончу, пока не случится персональной выставки, когда смогу всю показать целиком. Я буду продолжать заниматься живописью и скульптурой. Меня сейчас все больше интересуют ремесленные техники и природные материалы — например, керамика.
Мне хотелось бы двигаться в сторону большей грубости и материальности искусства. Мика Плутицкая, 38 лет, автор перформансов, живописных и графических работ Мика родилась в Москве. Окончила бакалавриат Университета Хартфордшира по специальности «изобразительное искусство» и получила степень BA Hons. По мнению кураторов, Мика работает с проблематикой, на которую всегда будет спрос: это тема советского наследия и изучение того, как оно в нас уживается — не столько на интеллектуальном уровне, сколько на сенсорном. У Плутицкой есть исследовательская жилка, которая позволяет копать глубже, приумножать и потом воплощать в художественные образы. Мика творчески перерабатывает образы и трудолюбиво, как муравей, их пестует, что, безусловно, ведет ее к успеху. Эксперты отмечают, что это более западный формат работы — когда к творческой профессии относятся не просто как к дару свыше, который снизошел, а к способностям, которые можно и нужно развивать.
Его детство прошло в военном гарнизоне, где уже в школе он проявил интерес к рисованию. Во время уроков изобразительного искусства он умело создавал свои первые произведения, а с возрастом активно участвовал в рисовании стенгазет. Помимо плакатов, Владимир также принимал заказы на портреты. Он с удовольствием рисовал лица людей, передавая их особенности и эмоции. Его портреты имели узнаваемость и вызывали восторг у заказчиков. В свободное время Владимир продолжает развивать свои творческие способности. Он занимается игрой на гитаре и изучением новых композиций. Музыка помогает ему расслабиться и находить вдохновение.
Перспективные молодые российские художники: о современном искусстве, своих амбициях и заработках
современные художники россии 21 века: 2 тыс изображений найдено в Яндекс Картинках. Ксения Драныш — участница 2-й Триеннале российского современного искусства, член Творческого союза художников России в секции «Новейшие течения», многие ее работы находятся в частных коллекциях, а некоторые присутствуют в коллекции ММОМА. Делимся опытом известных российских художников и знакомим с восходящими звездами. Рассказываем о самых важных молодых российских художниках, о чьем творчестве стоит знать, если вы интересуетесь современным искусством. Современные российские художники. Этот молодой российский художник стал автором более 25 персональных выставок и был единственным представителем России на Европейской биеннале современного искусства Manifesta-11 в Цюрихе и Manifesta-12 в Палермо.
Коллекционеры создали арт-рейтинг современных российских художников
Ксения Драныш — участница 2-й Триеннале российского современного искусства, член Творческого союза художников России в секции «Новейшие течения», многие ее работы находятся в частных коллекциях, а некоторые присутствуют в коллекции ММОМА. Сергей Цивилев принял участие в открытии выставки молодых российских художников «Искусство на Север 2.0». Один из самых известных художников современной России Никас Сафронов о готовящейся в Швейцарии выставке, новом стиле Dream Vision, актуальном искусстве, патриотизме и вечном. Последние новости, фото и видео-материалы, пресс-конференции. Информация о деятельности сенаторов и Председателя СФ Валентины Матвиенко. Члену Союза художников России удалось спастись во время теракта в «Крокусе».
От нейроарта до граффити: 5 современных художников, на которых стоит подписаться во «ВКонтакте»
Его антропоцентрические видео и пластификации отличает уникальный стиль, но Ринат продолжает его совершенствовать, не боясь экспериментировать с новыми медиумами и технологиями. Мне очень близко видение Рината. Александра Пацаманюк Полина Бондарева Основатель школы Masters «Одно из важных открытий последнего времени для меня — художница Александра Пацаманюк, выпускница Санкт-Петербургской государственной художественно-промышленной академии имени А. Ее работы я впервые увидела на ярмарке современного искусства Port Art Fair. Послания уникальны, на прозрачной работе еле заметны знакомые силуэты. Вместе с Masters Digital Gallery мы создали звуковое сопровождение, ассоциирующееся с Новым годом, где бой курантов и музыка погружали в теплые воспоминания о главном празднике детства». Перед праздниками мы уже представили ряд ее работ на стенде галереи в рамках ярмарки, которую в декабре впервые провела Ассоциация галерей, и успех был заметный. Центральным объектом исследования в работах Софии всегда выступает человек. Беря на себя роль стороннего наблюдателя, художница исследует психологизм персонажей, их взаимодействие в рамках разных социальных ролей и трансформацию эмоциональных состояний в процессе этого контакта.
Природа - ещё один мощный источник вдохновения для российских художников. Безграничные просторы, горные вершины, лесные массивы, реки и озёра - все эти природные красоты поражают воображение и вызывают неоспоримый эстетический подъём.
Черпая вдохновение из природы, художники создают произведения искусства, которые передают всю силу и ощущения умиротворения, которые можно найти в окружающей нас природе. Социальные и политические события также являются двигателем для российских художников. Своими работами они отражают актуальные темы, поднимают вопросы социальной справедливости, демократии и прав человека. Многие из них использовали своё искусство как мощный инструмент протеста и привлечения внимания к важным проблемам. Культура и философия - важные компоненты вдохновения для российских художников.
Это вопрос веры, а не факт". Фото: Ольга Торбелутс "Dollar" Миша Most Масштабные работы уличного артиста Миши Most посвящены проблематике восприятия будущего, влиянию науки и технологий на общество и человека. Он создал серию граффити, где яркие визуальные образы были дополнены теориями и гипотезами ученых 60-70-х годов XX века о ближайшем будущем и уже нашем настоящем касательно изменений в общественном строе и психофизиологических особенностей человека. В 2021 году часть этих работ была выставлена в качестве NFT на маркетплейсе Binance.
Фото: Миша Most, работа из серии "Future of the past". Сегодня он успешно выставляет свои NFT-картины в уникальном стиле, объединяющим ретрофутуризм, российскую обыденность, киберпанк и индастриал-эстетику. Обе работы выпущены в рамках серии о альтернативном будущем России под названием "Carbongrad 1999" и были проданы на одной из NFT-площадок.
В своем новом проекте «Суррогаты» он исследует результаты воздействия виртуальной реальности на различные сферы человеческого существования, рассматривает масштабные подмены смыслов и образов в современном информационном мире, словно находя визуальные воплощения широко распространенному сегодня понятию «симулякр». По мнению ряда французских философов, таких как Жорж Батай, Жиль Делёз, Жан Бодрийяр, мы уже давно живем в эпоху тотальной симуляции, в мире подмены понятий и смыслов. С каждым днем окружающий нас мир, полный симулякров и суррогатов, стремительно меняется. Сегодня не перестают появляться все новые и новые «вводные» для восприятия реальности.
российские художники
Марина Звягинцева – лидер паблик-арта в России, является идеологом и куратором программы паблик-арт проектов «Спальный район», развивая идею вторжения современного искусства в культурный вакуум городских окраин. Марина Звягинцева – лидер паблик-арта в России, является идеологом и куратором программы паблик-арт проектов «Спальный район», развивая идею вторжения современного искусства в культурный вакуум городских окраин. Какие мысли вас посетили при просмотре картин современных российских художников? Современный российский художник" Журнал "Русская галерея-XXI век / Russian gallery.
100 ныне живущих российских художников, которых вы должны знать
Российские художники приняли участие в 60-й юбилейной Венецианской биеннале 2024 года. Новости искусства и культуры – главные темы Дайджест. «Участие в Art Russia — это великолепная возможность увидеть свое творчество в контексте других членов огромного цеха лучших российских художников». Весной 2021 года Forbes опубликовал рейтинг самых дорогих современных художников России до 45 лет. «Для меня важно показать этот проект в России», — признается один из ведущих художников современного искусства РФ Иван Плющ, говоря о своей выставке «После иллюзий» в галерее «БИЗON». Современное искусство — как его понимать и за какими художниками стоит следить, чтобы быть в теме.