Ведущим хоровым жанром становится русский духовный концерт, служивший своеобразным символом древней отечественной традиции. Духовный концерт – это особый вид музыкального события, целью которого является передача зрителям и слушателям глубоких духовных переживаний и эмоций. вского состоит в том, что в нём появился и развился жанр церковной музыки — духовный концерт.
6 класс. Урок "Народное искусство Древней Руси. Русская духовная музыка. Духовный концерт" РЭШ
Многим большим колоколам давали имена. А какие вы знаете имена колоколов? Реут, Лебедь, Сысой Назовите имя самого большого колокола не только в России, но и во всём мире. Царь - колокол. Он находится в Москве, но только он не звучит потому что поломан В каком веке появились первые колокола на Руси? Первое упоминание о колоколах встречается в X веке, и на протяжении многих веков сопровождали своим звоном жизнь христиан. Размеряли течение дня , возмещали время труда и отдыха, время веселья и скорби. Колокольный звон служил мерилом праведности и добра: "Голос чище звона"; "Слава, что звон" - так говорили о том, что было достойно высшей похвалы.
Дегтярёв — зачастую находились под сильным влиянием европейских стандартов. Причем влияние оказывала не только церковная, но и светская музыка западных композиторов. В эти же годы концерты начали звучать во внебогослужебное время, то есть вышли за стены храмов. Например, в честь побед русского оружия на площадях исполнялись торжественные песнопения концертного плана, сопровождаемые колокольным звоном, пушечной пальбой и фейерверком. Или на богатых свадьбах, в ожидании молодых, церковный хор пел соответствующие радостному событию концертные произведения.
Своего расцвета хоровой концерт достиг в творчестве композиторов Московского Синодального училища на рубеже 19 и 20 вв. В сочинениях А. Архангельского, А. Гречанинова, А. Кастальского, П.
Чеснокова выразилось стремление к традициям русского духовно-музыкального творчества и использованию знаменных мелодий, взятых за основу развития. Авторы начинают обращаться к ушедшим в историю древним распевам, использовать отдельные элементы старинных напевов в мелодии своих песнопений. Внешняя контрастность уступила место звукоподражательным моментам, многочастность формы сменилась сквозным развитием. Сократилось также время звучания концертов. Воздействие текстов становилось более глубоким, усиливалось выразительной и талантливой концертной музыкой.
Д: Каждый человек оставляет след на земле. Аминь - звучит как утверждение ценности человеческой жизни. У: В чем сила такой музыки? Д: Слушая такую музыку, сердце не приемлет зла. У :Да, она пробуждает в слушателях добрые чувства; учит всматриваться в глаза близких людей, заглядывать в собственную душу- чем она наполнена. Такая музыка объединяет верующих людей в святой любви к богу, а нас слушателе трепетать от осознания близости к вечному. В этом сила любой музыки, будь то молитва, духовные песнопения или современная песня. А: Только ли церковную музыку можно назвать духовной?
Что такое «духовная музыка»? Как вы узнали, что прослушанная музыка православная, а не католическая?
Пожилые люди, как и младенцы слабы и нуждаются в помощи и внимании Сейчас прозвучит духовный концерт Максима Сазонтовича Березовского «Не отвержи мене во время старости». Объясните, что означает жанр «концерт»? А как объяснить жанр «духовный концерт»?
Что такое русский духовный концерт?
В этом году ансамбль «Ключ разумения» отмечает свое двадцатилетие. Его творческий путь за это время отразил развитие реконструкции древнерусского церковно-певческого искусства в нашей стране. Вполне возможно, то, что мы услышали на концерте, не звучало так, как когда-то в исполнении государевых певчих дьяков, но восхищение пением и теплое благодарное чувство переполняло слушателей. Ведущая концерта и руководитель ансамбля Наталья Мосягина предваряла каждое песнопение объяснениями и комментариями, погружая в историю и традиции древнерусского певческого искусства. Все песнопения были посвящены Божией Матери. Коллектив начал концерт с исполнения «Многолетия», пожелав всем трудящимся на ниве церковного пения многая и благая лета. Ансамбль «Ключ разумения»: что за ключ? Наталья Мосягина, кандидат искусствоведения, доцент кафедры древнерусского певческого искусства Санкт-Петербургской государственной консерватории имени Н. Римского-Корсакова, рассказывает: «Название ансамбля заимствовано из музыкального теоретического руководства, которое было составлено во второй половине XVII века архимандритом Тихоном Макарьевским. Он записал фрагменты песнопения знаменной нотации и перевел их на тогда новую для России киевскую квадратную ноту. Это руководство нам позволяет сегодня знать, как расшифровываются невмы».
Ключ, изображенный на афише концерта, — это как раз ключ из музыкально теоретического руководства, ключ разумения. На его стержне написано: «Ключ разумения отверзает дверь божественного пения». Это руководство давало возможность войти в традицию, изучить ее и исполнять. Однако это название было не только у Тихона Макарьевского. В 1659 году в Киево-Печерской лавре вышел сборник духовных поучений «Ключ разумения», который имеет «Дополнение священникам, монахам и светским людям надлежащее». В книгу вошли проповеди, посвященные православным праздникам.
Характерной его особенностью является соединение традиций православного партесного многоголосного пения с западноевропейским жанром «страстного концерта». Осваивая чужую музыку испытывая влияние западноевропейских композиторов, русская музыка не потеряла своего национального своеобразия, она опиралась на народное музыкальное творчество, питалась его корнями. Не имея общемирового значения, она сыграла огромную роль в развитии русской национальной культуры, в становлении национальной музыкальной школы.
Народное искусство Древней Руси. Русская духовная музыка. Оба они учились композиторскому мастерству в Италии. К сожалению, многие их произведения были найдены спустя годы после их смерти, а некоторые оказались безвозвратно утрачены. Дмитрий Бортнянский стал продолжателем идей М. Березовского и перенял у него полифоническую технику, гармонию и образный строй концерта.
Истинная причина смерти композитора неизвестна, хотя есть догадки, предположения. Жизнь Березовского трагически закончилась в 32 года. И он не смог, не успел создать того, что должен был бы создать. Последние два года стали годами разрушения надежд. Но были годы жизни, в которых соединилось все — удача, признание, мечты, успех. Слайд 9 Как композитор духовной музыки, Березовский является представителем нового направления в партесном пении. В его произведениях меньше следов влияния итальянской музыки; заметно стремление к самобытности, к строгому согласованию музыки с текстом, о чем в то время и не думали многие итальянские композиторы, писавшие духовную музыку для православной церкви. Отличительные черты произведений: большая свобода голосоведения, художественность целого в ущерб внешнему блеску, замечательная отделка деталей, соединение простоты и изящества. Слайд 10 Свой самый лучший, самый знаменитый хоровой концерт «Не отвержи мене во время старости» Березовский написал примерно в двадцатилетнем возрасте, в то время, когда ему сопутствовал успех, были жизненные перспективы, уверенность в своем предназначении. И написал его на слова 70-го псалма Давида: «Не отвержи мене во время старости; когда будет оскудевать сила моя... Не удаляйся от меня...
Музыка. 6 класс
Что такое концерт духовной музыки кратко. Но во второй половине XVIII века духовный концерт вышел за пределы церкви; классические сочинения в этом жанре созданы Максимом Березовским и Дмитрием Бортнянским. вского состоит в том, что в нём появился и развился жанр церковной музыки — духовный концерт. Что такое концерт духовной музыки кратко. 1777) "Не отвержи мене во старости" - одно из самых значительных произведений этого жанра. Духовный концерт получил собственное место в структуре богослужения: после причастного стиха во время причащения священнослужителей в алтаре.
Презентация, доклад к уроку музыки 6 класс Духовный концерт
Просмотр содержимого документа «Духовная кт урока в 6 классе». Главная» Новости» В каком веке появился духовный концерт. Духовный концерт" РЭШ» на канале «"Музыка в школе"» в хорошем качестве и бесплатно, опубликованное 5 ноября 2022 года в 17:15, длительностью 00:05:30, на видеохостинге RUTUBE. Но во второй половине XVIII века духовный концерт вышел за пределы церкви; классические сочинения в этом жанре созданы Максимом Березовским и Дмитрием Бортнянским. Русская духовная музыка духовный концерт 6 класс конспект урока. В семнадцатом веке на русских музыкантов стала оказывать влияние музыка Западной Европы.
Небольшое сообщение на тему "Духовный концерт"
Березовский получил звание академика в следующем, 1771 г. Слайд 8 В апреле 1775 г. Березовского вызвали в Россию. Начался новый период в его жизни — короткий и трагический. Истинная причина смерти композитора неизвестна, хотя есть догадки, предположения. Жизнь Березовского трагически закончилась в 32 года. И он не смог, не успел создать того, что должен был бы создать. Последние два года стали годами разрушения надежд.
Но были годы жизни, в которых соединилось все — удача, признание, мечты, успех. Слайд 9 Как композитор духовной музыки, Березовский является представителем нового направления в партесном пении. В его произведениях меньше следов влияния итальянской музыки; заметно стремление к самобытности, к строгому согласованию музыки с текстом, о чем в то время и не думали многие итальянские композиторы, писавшие духовную музыку для православной церкви.
Имя , объясни ход своих мыслей. Один ученик показывает на экране с объяснением: Сначала находим повторение узора в изобразительном орнаменте. Это начальный и последний узоры. Такие же повторы мы наблюдаем и в нотном фрагменте в виде коротких длительностей на нижней строчке. Значит оба этих фрагмента являются орнаментом.
Продолжим совершать экскурсию, только уже музыкальную по фрескам собора. Слайд 9. В симфонии 9 фресок и каждая музыкальная фреска имеет свое название. Орнамент 1 2. Зверь нападает на всадника 3. Орнамент 2 4. Групповой портрет дочерей Ярослава Мудрого 5. Михайловский Придел 6.
Борьба Ряженых 9. Орнамент 3 Обратите внимание, на слайде отсутствуют музыкальные фрагменты под номерами 1, 3 и 9. Это музыкальная тема, которая является путеводителем в симфонии и скрепляет все музыкальные образы фресок. Она как рефрен повторяется в них несколько раз. Она похожа на узор с повторяющимся мотивом орнамент. Слушание: В. Обратите внимание на нотный пример Орнамента в учебнике стр. А что происходит со струной, если её дёрнуть?
Она деформируется. Выполняем поочерёдные наклоны друг за другом по порядку со счётом 123456 — 1группа, 2 группа, 3группа, 4группа. Каждая из ваших групп — это разложенный аккорд по типу арпеджио дети выполняют наклоны в ансамбле с учителем под фортепиано или под фонограмму звучания арфы. Этап самостоятельной работы с самопроверкой по эталону. Проектная деятельность в творческих группах 10 мин Представте, что мы углубились в пространство храма, и перед нами предстало мгогоцветье фресок, отображающих духовные образы и образы народной жизни. Как же нам её услышать? Чтобы её услышать, мы сами должны научиться создавать музыку.
Каков характер произведения, состав исполнителей? Какая в этом произведении фактура? Вы уже знакомы с гомофонно- гармонической и аккордовой фактурами. Здесь фактура полифоническая. Что такое полифония? Это не простое многоголосие. Внимательно рассмотрите партитуру в учебнике. Чем она отличается от обычной хоровой партитуры?
Размеряли течение дня , возмещали время труда и отдыха, время веселья и скорби. Колокольный звон служил мерилом праведности и добра: "Голос чище звона"; "Слава, что звон" - так говорили о том, что было достойно высшей похвалы. Колокола были несовместимы с ложью, несправедливостью, греховностью. Не только в стихах можно услышать упоминание о колоколах. Не обидел вниманием колокола и русская классическая музыка. Давайте послушаем фрагмент П. Чайковского Увертюра "1812" Ребята, а где находились колокола, как назвали эти помещения? Колокольня, звонница Почему называли колокольня - это понятно, а почему звонница?
Остались вопросы?
Этот концерт был написан, когда Максиму Сазонтовичу было чуть за 20. Духовный концерт М. Березовского «Не отвержи мене во время старости» — одно из самых значительных произведений этого жанра. онятие «духовный концерт» относится к раз-личным областям музыкальной культуры. Духовный концерт М. Березовского «Не отвержи мене во время старости» — одно из самых значительных произведений этого жанра. вского состоит в том, что в нём появился и развился жанр церковной музыки — духовный концерт.
"Над временем и пространством" - концерт духовной музыки
Во-первых, он является средством поклонения и служения Богу. Хоровые исполнения на церковных службах создают атмосферу поклонения, контакта с высшими силами и приобщения к святым традициям. Во-вторых, русский духовный концерт является важной частью религиозной практики и исповедует ценности православия. Многие сочинения основаны на библейских текстах и образах, а их музыкальная аранжировка акцентирует душевные переживания верующих, помогая им пережить и размышлять о вечных темах. В-третьих, русский духовный концерт имеет образовательное значение. Он способствует распространению и сохранению духовной культуры и наследия России.
Через музыку передаются исторические события, религиозные учения, этические принципы и культурные ценности. Наконец, русский духовный концерт является ценным художественным произведением, обладающим эмоциональной силой и красотой. Многие произведения великих русских композиторов, таких как Сергей Рахманинов, Петр Чайковский и Александр Гречанинов, стали классикой мировой музыкальной литературы благодаря своей глубине и художественной ценности.
Дилецкий и др. Киев как муз. XVII в. Петре Могиле , к-рый сыграл важную роль в развитии образования на Украине в целом: он открывал школы, был основателем коллегиума, впосл. При нем возникло Богоявленское Киевское братство 1615 , также культивировавшее по образцу Львовского братства многоголосное пение. В разнообразных документах 1-й трети XVII в. В 30-40-х гг. Внедрение партесного многоголосия, поддержанное царем Алексеем Михайловичем и патриархом Никоном, совпало по времени с книжной справой и церковной реформой, которые раскололи рус. Впервые на Руси возникла письменная полемика между сторонниками противоположных взглядов на церковное пение, из чего можно заключить, что старообрядцы с большой чуткостью и пониманием определили особенности нового пения, характеризующие его концертный тип. Так, выражение «приплясные стихи» см. Определение «гутков наигрыши» см. В 60-70-х гг. Вершиной первого «украинского периода» развития партесного К. В это время работают такие выдающиеся укр. Календа, С. Пекалицкий, Т. Значение партесных К. Андрея Критского, некоторые псалмы, погребальные стихиры прп. Иоанна Дамаскина и др. Создатели партесных К. Идея конкретного К. Это выразилось в том, что отдельные слова, фразы, предложения могли многократно повторяться и для большей убедительности слов, и для более обширного муз. На этом базисе вырабатывается ритм движения текста, который подчиняется муз. Иоанна Дамаскина «Плачу плачуся и рыдаю, егда помышляю смерть» в 4-голосном концерте, предположительно нач. Партесный К. Среди них первым является контраст, затрагивающий все уровни организации муз. Само явление партесного К. Развертывание К. Очень часто это противопоставление метров: 2-дольного, 4-дольного и группы 3-дольных, каждый из к-рых имеет характерные ритмические фигуры, что подчеркивает его индивидуальность. Контраст метров обеспечивает и смену скорости движения музыки показательным примером является «Воскресенский канон» Дилецкого. Иногда регулярная смена 2-дольного и 3-дольного метров образует рондальные структуры «Кто ны разлучит» на 5 голосов - см. В партесном К. Во-первых, это многохорность: чередование звучания 2 или 3 хоров либо их объединение. Во-вторых, сопоставление звучания tutti с ансамблем неск. Этот факт вполне осознается исполнителями, о чем свидетельствуют ремарки: на полное звучание - «голосно» г , для ансамбля - «тихо» т. Названные контрасты способствуют большей эмоциональности муз. Один из основных принципов классификации партесных К. Авторы К. В концертах минорной группы условно говоря, покаянных сложился определенный круг интонаций, часто восходящих к средневек. Можно отметить такую особенность муз. В соответствии с эстетическими принципами барокко минорная сфера часто глубоко драматична, здесь возможности минорного лада и гармонии играют большую роль о минорной сфере партесных К. Принцип порождения. В сфере мажора сильнее ритмическая четкость и активность. Большую роль играет полное аккордовое звучание и движение по аккордовым звукам, а также устремленность вверх, к кульминации Она же. От элементарной частицы до «большой формы». В каждом из классов произведений выработались устойчивые ритмо-интонационные формулы и последования, связанные как с конкретным словом, так и в еще большей мере с определенной эмоцией, к-рые можно назвать «постоянными эпитетами» подробнее об этом см. В мажорных концертах - восходящее движение по типу золотого хода валторны начало К. Титова «Златокованную трубу». Велико значение тембра и фактурной организации как основных средств, к-рыми располагает многоголосие. Именно игра их возможностями и составляет сущность жанра К. Это может найти выражение в наиболее крупном контрасте - tutti и сопоставляемых с ним разнообразнейших по тембровому составу ансамблей, преимущественно 3-голосных, или же однотембровых групп голосов, как, напр. В выборе тембров для ансамблей авторы руководствуются эмоциональным эффектом, который будет производить то или иное сочетание голосов. Так, тембр дисканта в наиболее высоком регистре на распевах - сильное средство в покаянных К. Для полномасштабного звучания более всего показательна аккордовая фактура, в то время как в ансамблях широко используется кантовое трехголосие. Имитационная полифония встречается довольно редко и характеризуется краткостью начального мотива. Уникальным примером является 3-я песнь из «Воскресенского канона» Дилецкого «Приидите, пиво пием новое» , представляющая собой 8-голосный бесконечный канон, где в постоянном кружении участвуют все голоса. Дилецкий организует целое по нескольким параметрам: 1-й - развитие всего материала из простейшей 2-звучной интонации начальный оборот «Воскресения день» с помощью разнообразнейших средств ее варьирования и трансформации; 2-й, символический,- соотношение мирского и Божественного, проявляющееся в противопоставлении 2-дольного быстрого и 3-дольного метра появляющегося с 4-й песни, его значение усиливается к концу сочинения , причем сфера 3-дольного Божественного выражена с помощью мензуры перфектного темпуса «Воскрес Исус от гроба» ; 3-й - организация всей структуры сочинения как воссоздания идеи восхождения: от 1-й песни: «От смерти убо ко жизни, и от земли на небо Христос Бог нас приведе» - к 9-й песни: «И нам дарова живот вечный» и соответственно от нисходящего движения муз. От элементарной частицы. В 70-80-х гг. Об активности процесса развития жанра свидетельствует количество сохранившихся рукописных памятников, относящихся к данному и последующему периодам. Новый стиль вызвал к жизни необходимость теоретического осмысления творческой и исполнительской практики. В это время появляется 1-й музыкально-теоретический трактат по партесному пению - «Мусикийская граматика» Дилецкого самый ранний список относится к 1677, наиболее полный вариант был написан в Москве для подношения Г. Строганову в 1679; подробнее о классификации списков трактата см. Это муз. Нек-рые из этих стихир встречаются в рукописях до сер. Дальнейшее развитие К. Возможно, наиболее значительным образцом является К. Другим примером может служить триумфальный К. Это произведение исполнялось, очевидно, во время триумфа по случаю возвращения Петра I из Персидского похода 1722. К этой же группе можно отнести панегирические К. Тредиаковским во время короткого царствования Петра II, и нек-рые др. В нач. В это время возрастает значение панегирической сферы, но такие произведения создавались по устойчивой модели и отличались стереотипностью. В то же время покаянная область творчества становится более яркой и приобретает лирико-драматические черты. Из авторов партесных К. Об известной замедленности развития жанра может свидетельствовать возникновение такого важного явления в истории культуры, как пародия. Это бытовая сценка из жизни подвыпивших бурсаков и певчих, написанная по всем правилам церковного партесного произведения подробнее см. Эпоха партесного К. Благодаря особенностям жанра переход от средневек. Остаются основные богослужебные жанры, язык и самое главное - участие человека как исполнителя. При всей новизне интонационного наполнения, метрической организации и проч. Новое муз. Вплоть до наст. Благодаря этому сохранилась значимость партесного К. XVII - 1-й пол. Александрийский патриарх Мелетий Пигас и его участие в делах Рус. О хоровой многоголосной композиции XVII - нач. Партесный концерт в истории музыкальной культуры. Русская музыка XVII в. Пародия в русско-укр. Острог, 2011; Плотникова Н. XVII - сер. Витоки, музична теорiя та виконавська практика партесного багатоголосся: Канд. Герасимова-Персидская Духовный К. Многие черты, присущие русской хоровой музыке этого периода в целом, присутствовали в духовном К. Период, охватывающий творчество композиторов от М. Березовского до С. Дегтярёва , стал «золотым веком» рус. Его историю можно условно разделить на 3 этапа. Первый этап 60-70-е гг. Галуппи ; 2-й этап кон. Бортнянского , хотя в этом жанре вместе с ним работали и многие второстепенные авторы, напр. Диц, воспитанники АХ П. Скоков, С. Осипов, Е. Фомин и др. Бортнянского; его творчество оказало огромное влияние на современников, особенно на молодое поколение - Л. Гурилёва , Дегтярёва, А. Веделя , С. Давыдова , Д. Кашина и др. Наряду с молодыми композиторами в те же годы хоровые К. Козловский , Дж. Хоровой К. В истории музыки К.
Но это была лишь предистория русского духовного хорового концерта. С приездом в Петербург иноземных капельмейстеров — Сарти, Цоппи, Галуппи — проникает в отечественную хоровую музыку жанр и стиль многочастного концерта-мотета. Ведель, С. Дегтярёв, С. Давыдов, а в середине XIX века — генерал А. Но всё больше ощущается в их творчестве стремление уйти от механического подражания западноевропейским образцам, создать самобытный стиль музыкального языка. То было время стремительного развития российской национальной музыкальной культуры, и в этом развитии рождалось новое понимание назначения и задач духовной музыки. Очередной этап в истории жанра духовного хорового концерта был неразрывно связан с расцветом блистательного искусства Синодального хора и возникновением на рубеже XIX и XX веков новой российской школы композиторов церковной музыки. В сочинениях А. Архангельского, А. Гречанинова, М. Ипполитова-Иванова, Виктора Калинникова, А. Кастальского, А. Никольского, Ю. Сахновского, П. Чеснокова и многих других авторов стремление к выявлению корневых традиций русского духовно-музыкального творчества соединилось с использованием в сочинениях всех известных средств музыкального языка. Духовная музыка стала всё чаще выходить за стены храма, превращаясь из скромного комментатора об рядовых действий в могучее средство духовно-эстетического воспитания. Не случайно А. Гречанинов заявил в ноябре 1917 года: «Да позволено будет и нам, сынам восточной церкви, следуя св. Последовавший после 1917 года долгий период насильственного замалчивания русской духовной музыки приостановил на время творческие поиски отечественных композиторов. Однако с первыми же проблесками возрождения религиозной жизни эти поиски возобновились. И тогда обнаружилось, что немалая часть того, что было найдено и опробовано предыдущими поколениями авторов, не потеряла своей жизнеспособности и в наши дни. В то же время особенности современного развития национальной и мировой музыкальной культуры неизбежно оказывают своё влияние на характер российской духовной музыки. Новые черты приобрёл в наши дни и жанр духовного хорового концерта. Изменения коснулись буквально всех его особенностей. Многочастность формы, построенной на контрастном сопоставлении законченных разделов, всё чаще сменяется сквозным развитием, сочетающим элементы репризности с вариационностью и строфичностью. Свойственная эпохе сжатость авторского высказывания привела к тому, что намного сократился масштаб произведений время звучания одного номера редко превышает 4 минуты. Контрастность внешнего порядка по принципу «тихо — громко», «быстро — медленно», «мажор — минор», «солист — хор» всё чаще заменяется контрастностью внутренней, скрытой полиладовой, полиметрической и т. Следствием часто возникающей завуалированной диалогичности стало то, что значительно уменьшилось по сравнению с эпохой Чеснокова число концертов, написанных для солиста с хором. Скромнее, а то и беднее стала мелодическая основа сочинений, уступив место гармоническому и звукоподражательному колорированию. Главной же особенностью современной духовной музыки стало использование свободно трактуемого принципа концертности — почти во всех сочинениях, создаваемых на канонические тексты. Показательно отношение современных авторов к тексту духовных композиций. Если в начале XIX века поэтической основой духовных концертов являлись стихи псалмов или отдельные строки исполняемых на Утрене стихир и тропарей, то уже в начале XX столетия поводом для написания произведения в «концертном стиле» могли стать любые канонические тексты, вплоть до сугубо служебных. Достаточно упомянуть о духовных сочинениях П. Чеснокова, А. Гречанинова, А. Никольского и других авторов дореволюционной эпохи: именно они стали применять принцип концертности к текстам Вечерни, Литургии, Панихиды, Отпевания, монастырских чинов и др. И следует признать, что духовно-очистительное воздействие этих текстов становилось намного более глубоким, когда подчёркивалось и усиливалось выразительной и талантливой музыкой. В наши дни опыты выдающихся композиторов московской школы церковного пения получают дальнейшее творческое развитие. Используя приёмы концертирования, современные авторы перелагают на музыку светилены, икосы, тропари, молитвословия и т. При этом нередко можно наблюдать, как автор не сочиняет оригинальной мелодии, но и не цитирует обиходный напев, а избирает некий «срединный» путь — творчески, то есть достаточно свободно обрабатывает гласовую мелодию, сохраняя некоторые её элементы и в то же время придавая ей черты выразительного мелодизированного речитатива. При этом гармонический язык хорового сопровождения может быть самым разнообразным — от традиционной диатоники церковных ладов до полиладовых построений или хроматически окрашенной переменности. Фактурные же приёмы изложения в значительной мере связаны с традиционной храмовой певческой традицией: читок, псалмодия, иссон, антифон, респонсорность и т. Возможно, художественные результаты творчества современных российских авторов духовной музыки покажутся более скромными, нежели столетней давности достижения их предшественников. Это вполне понятно: после многолетнего перерыва многое приходится как бы начинать заново, осторожно связуя прошлое с настоящим, примеряя к современным музыкальным вкусам всё наиболее ценное и плодотворное из опыта прошлых веков. Идёт напряжённый, многоплановый, подчас малозаметный окружающим, поиск — выразительных средств, стилистического своеобразия, нравственно-эстетической преемственности, духовной глубины и осмысленности. Итогом этого поиска должно стать грядущее обновление. Обновление жанра духовного хорового концерта, обновление российской духовной музыки, обновление национальной духовно-музыкальной культуры. И тогда сбудется прореченное: «Обновится, яко орля, юность твоя». Благодаря реформам Петра I Россия активно включилась в этот процесс, приобщаясь кдостижениям европейской цивилизации. Ее поворот в сторону Европы, породивший феномен «русской европейскости», произошел типично по-русски — круто и решительно. Взаимодействие с более устоявшимися художественными школами Западной Европы позволило русскому искусству пройти путь «ускоренного развития», освоив в исторически сжатые сроки европейские эстетические теории, светские жанры иформы. Главное достижение русского Просвещения — расцвет личностного творчества, которое приходит на смену безымянному труду художников Древней Руси. Реализуется ломоносовская формула: «будет собственных Платонов и быстрых разумом Ньютонов Российская земля рождать». Наступает время активного становления светского мировоззрения. Храмовое искусство продолжает свое развитие, однако постепенно отходит на второй план в культурной жизни России. Светская же традиция всемерно укрепляется. В музыке века, как в литературе и живописи, утверждается новый стиль, близкий европейскому классицизму. Новые формы великосветского быта-гуляния в парках, катания по Неве, иллюминации, балыи «маскерады», ассамблеи и дипломатические приемы- способствовали широкому развитию инструментальной музыки. По указу Петрав каждом полку появились военные духовые оркестры. Официальные торжества, балы и празднества обслуживались двумя придворными оркестрами и придворным хором. Примеру двора следовала петербургская и московская знать, котораязаводила у себя домашние оркестры. Крепостные оркестры и музыкальные театры создавались и в дворянских усадьбах. Распространяется любительское музицирование, обучение музыке становится обязательной частью дворянского воспитания. В конце столетия многообразная музыкальная жизнь характеризовала быт не только Москвы и Петербурга, но и других русских городов. Среди музыкальных новшеств, неизвестных Европе, был роговой оркестр , созданный российским императорским камер-музыкантом И. Марешом по поручению С. Мареш создал слаженный ансамбль, состоящий из 36 рогов 3 октавы. Участвовали в нем крепостные музыканты, которые играли роль живых «клавиш»,поскольку каждый рог мог издавать только один звук. В репертуар входила классическая европейская музыка, в том числе сложные сочинения Гайдна и Моцарта. В 30-х годах XVIII века в России была создана придворная итальянская опера, спектакли которой давались в праздничные дни для «избранной» публики. В это время Петербург привлекает многих крупнейших европейских музыкантов,преимущественно итальянцев, среди которыхкомпозиторы Ф. Арайя, Б. Галуппи, Дж. Паизиелло, Дж. Сарти, Д. Франческо Арайя в 1755 году написал музыку к первой опере с русским текстом. Это было либретто А. Сумарокова на сюжет из «Метаморфоз» Овидия. Опера, созданная в итальянском жанре seria. В петровскую эпоху продолжали развиваться такие национальные музыкальные жанры, как партесный концерт и кант. Канты петровского времени нередко назывались «виватами» , поскольку они изобилуют прославлениями военных побед и преобразований «Радуйся, Росско земле». Для музыки «приветственных» кантов характерны фанфарные обороты, торжественные ритмы полонеза. Их исполнение часто сопровождалось звучанием труб и колокольным звоном. На петровскую эпоху приходится кульминация в развитии хорового партесного пения. Блестящий мастер партесного концерта В. Титов занял место первого музыканта при дворе царя Петра. Именно ему было поручено написать торжественный концерт по случаю Полтавской победы, одержанной русскими войсками в 1709 году «Рцы нам ныне» — за сочинением утвердилось название «Полтавскому торжеству». В середине XVIII века стремление к хоровым эффектам в партесных концертах достигло гипертрофированных форм: появились сочинения, партитуры которых насчитывали до 48 голосов. Во второй половине столетия на смену торжественному пар-тесному концерту приходит новое художественное явление — ду-ховный концерт. Таким образом, в течение всего XVIII века русское хоровое пение прошло большой путь эволюции — от монументального партесного стиля, вызывающего ассоциации с архитектурным стилем барокко, к высоким образцам классицизма в творчестве М. Березовского и Д. Бортнянского, создавших классический тип русского духовного концерта. Возникли хоровые обработки народных песен, хоровая оперная музыка, танцевальная музыка с хором самый знаменитый образец — полонез Козловского «Гром победы раздавайся» на слова Державина, который в конце XVIII приобрел значение государственного гимна Российской империи. Ведущим хоровым жанром становится русский духовный концерт, служивший своеобразным символом древней отечественной традиции. Своего наивысшего расцвета духовный концерт достиг в екатерининскую эпоху 1762- 1796. Это было благоприятное время для российской культуры.
Ответственность за полноту представления состава авторского коллектива и согласование с ними всех изменений, вносимых в тест рукописи по результатам её рецензирования и редактирования, лежит на лице авторе , представившем рукопись в редакцию. Авторство основывается на следующих критериях: 1 Автор внёс существенный вклад в научно-исследовательскую разработку концепции и структуру исследования, произвёл сбор данных, анализ и интерпретацию данных. Авторы статьи гарантируют, что представленная рукопись является оригинальной работой. Научные обзоры по той или иной проблеме должны быть объективными, представлять материал в широком диапазоне и одновременно учитывать точку зрения автора обзора. Авторство научных публикаций должно точно отражать вклад отдельных лиц в исследовательскую работу с указанием информации об авторах. Авторы не должны вводить читателей в заблуждение, публикуя благодарности людям, которые фактически не привлекались к работе и не оказывали поддержку. Все остальные, кто внёс вклад в работу, но в то же время не являются авторами, могут быть перечислены в разделе «Благодарности», в котором должно быть указано, что они делали. Авторы должны предоставлять описание того, что каждый из них сделал в данной публикации. Порядок авторства должен быть результатом совместного решения соавторов. Авторы должны быть готовы объяснить, почему именно таков порядок перечисления авторов.