если надоели такие новости. Александр Лукашенко пообнимался с ядерной боеголовкой стратегического назначения. Об этом президент Белоруссии рассказал на народном собрании.
Мандора (музыкальный инструмент)
струны больше не зажимают, а перебирают пальцами со специальными "ногтями" из металла или пластика. Этот инструмент по конструкции схож с трубой, однако более широкая и короткая трубка выдаёт корнет. А вот на Руси волынка не прижилась, ни как народный инструмент, ни среди высших слоев общества.
Мандора инструмент музыкальный
Изготавливается из дерева агас-кумыз или металла тимер-кумыз. Кубыз является одним из древнейших музыкальных инструментов, инструмент этого типа найден в археологических раскопках на Русском Севере, известен как музыкальный инструмент народов Алтая, тюркских народов Поволжья и Урала. Имеет очень простую конструкцию: пластинка из твердого дерева, длина — 17 см, ширина от 1,5 до 2 см, толщина — 2 мм. В середине пластинки вырезан язычок, к основанию которого узелком прикреплена суровая нить. Представляет собой металлическую или деревянную дугу с язычком в центре. Исполнитель зажимает инструмент губами и придерживает левой рукой, приблизив к зубам.
Муффата, оркестр Люлли характеризовался «точностью интонации, легкостью и ровностью игры, отчетливым и энергичным ударом всего оркестрового состава, берущего первый аккорд, неудержимым порывом и очень подчеркнутыми переменами темпов, гармоническим сочетанием силы и гибкости, грации и живости». В партитурах своих опер он тщательно проставлял динамические оттенки и способы исполнения: «играть нежно, чуть касаясь струн», «не снимать сурдин раньше, чем это обозначено» и т. Люлли сам обучал и инструменталистов, и певцов, добившись замечательных успехов в своей педагогической деятельности. Среди его учеников — скрипачи Ж. Лалуэт, Ж.
Ребель, П. Жубер, Ж. Анэ отец , Паскаль, М. Лаланд, Вердье и др. Люлли по праву считался лучшим скрипачом Франции.
По отзыву Л. Вьевиля, «Люлли играл божественно. Со времен Орфея, Амфиона и других никто не извлекал из скрипки звуков, подобных тем, какие извлекал из нее Люлли». Скрипичные произведения Люлли входят в его оперы, балеты, дивертисменты. Он дал блестящие образцы и скрипичного романса, и каприса, и танца с вариациями.
Люлли широко использовал также декламационные интонации французских трагических актеров, в особенности ученицы Расина — Шанмеле, отличавшейся напевной манерой декламации, широкими интонационными линиями голоса Расин обозначал ей эту декламацию нотами с интервалами вплоть до октавы , тембровым богатством. Эту выразительность трагической декламации Люлли перенес и в свои скрипичные арии, напоминающие порой оперный речитатив примером может служить скрипичная ария из оперы «Армида», конец II действия. Многие его арии носят элегическо-пасторальный характер, необычайно напевны, изящны. Наибольшей популярностью из них пользовалась ария из оперы «Кадм», отличающаяся плавностью мелодической линии, благородством выражения. Встречаются у Люлли и ярко индивидуализированные миниатюры.
Например, танцевальная скрипичная мелодия из IV акта оперы «Альцеста», которая, по словам Люлли, «должна дышать затаенной радостью». Люлли сохранил и укрепил давнюю связь французского скрипичного искусства с танцем. Ритмическая острота и четкость, развитая техника коротких динамичных штрихов — черты, идущие от народного инструментального искусства,— проявляются в его скрипичной балетной музыке, особенно в таком жанре, как танец с вариациями. В качестве примера можно указать скрипичную «Чакону» в балете «Кадм». Скрипичные арии в операх Люлли всегда заставлял повторять, придавая большое значение их выразительности в построении целого.
Известную роль в подготовке французского инструментального концерта сыграли и увертюры Люлли к операм, и большие вставные номера — «симфонии». Люлли создает тип французской увертюры, отличной от итальянских увертюр того времени С. Ланди, А. Скарлатти , построенных по типу: быстро — медленно — быстро. В монументальных увертюрах Люлли проявляется героическое начало.
Медленная величественная первая часть построена у него на ярких, запоминающихся мелодиях, не связанных с оперой. Вторая часть — фугированная, свободно текущая, легкая и прозрачная. Финал возврацает к начальным образам увертюры, но в сжатом и динамизированном виде зачаток репризного принципа. Завершает увертюру мощная кода. Ведущую роль в увертюрах играли скрипки.
Главные мелодии, поручавшиеся им, были настолько напевны, что ко многим из них были написаны слова, например к скрипичной арии увертюры «Беллерофонт». Увертюры Люлли оказали влияние на Генделя. Их часто исполняли в Италии как увертюры к другим операм. Несколько иные функции выполняли вставные «симфонии». Это была своего рода программная музыка — пейзажно-поэтические картины, психологические зарисовки состояния героев.
Не обращаясь к звукоподражанию, Люлли стремился пробудить у слушателей с помощью ярких выразительных средств ассоциации, близкие к переживанию данного состояния. Популярность Люлли была огромна. Его мелодии распространились во всех слоях общества, а арии распевали на улицах бродячие музыканты. Люлли, по отзывам современников, нередко останавливал карету, подзывал к себе певца и скрипача, чтобы показать им правильный темп мелодии, которую они исполняли. Многие произведения Люлли превратились в народные куплеты, но надо учесть и то, что и его творчество было тесно связано с народным искусством.
Органически слив наиболее ценные элементы, он создал новый музыкальный язык, способный к большим художественным обобщениям, доступный различным слоям общества. В этом его большая заслуга как скрипача и композитора своей эпохи. Развитие скрипичного искусства во Франции шло параллельно с культивированием в дворянских кругах и в публичных выступлениях виртуозной игры на басовой виоле. Мягкий приглушенный звук виолы отвечал эстетическим вкусам знати. Однако острое соперничество со скрипкой и виолончелью заставляло совершенствовать и виолу, и технику игры на этом инструменте.
О «первом виолисте Парижа» Отмане ум. В то же время такая борьба положительно влияла и на формирование французского скрипичного исполнительства. Многие скрипачи создали для них свои произведения. Подобно клавесинному и виольному искусству, сочинения скрипачей XVII века представляли собой преимущественно танцевальные миниатюры, отточенные по форме, изящные, богатые по ритмической выдумке. В различных медленных танцах или варьированных песнях можно проследить и раннее проявление жанровой изобразительности, наивной программности или попытки достичь психологической выразительности.
Крупной инструментальной формы еще не было. В самом конце XVII, начале XVIII века эти жанры, наряду с ариями с вариациями и сольными пьесами — чувствительным романсом и ранними образцами инструментального дуэта скрипка и виолончель или басовая виола, две скрипки ,— привели к формированию под определяющим влиянием итальянского искусства первых образцов сонатного жанра, которые представляли собой скорее многочастные сюиты. В них жанровые миниатюры и танцы перемежались с частями более общего, моторного плана. Наиболее характерны были: гавот, менуэт, сарабанда, рондо, прелюдия, жига и т. Из ранних образцов такого рода можно отметить сюиты М.
Монтеклера 1697 под названием «Серенады или концерты, разделенные на три сюиты пьес для скрипок, флейт и гобоев, сочиненные с фанфарными, бравурными, нежными и сельскими ариями, под которые можно танцевать». Интересны также попытки создания сонат для скрипки и баса С. Броссара и Э. Но лишь в 1740 году появляется первый оригинальный сборник французских сонат для скрипки и баса, принадлежащий Франсуа Дювалю, замечательному скрипачу, члену «Двадцати четырех скрипок», одному из первых во Франции исполнителей сонат Корелли. Говоря о скрипичном репертуаре, Л.
Дакен писал, что Дюваль «впервые извлек скрипку из того состояния упадка, в котором она пребывала». Сонатам этого сборника за которым появилось еще шесть сборников сонат того же автора присущи широкая французская мелодика, гибкость и изящество смычковой техники, блестящая ритмика, обильное употребление впервые во французской скрипичной литературе двойных нот, живописный изобразительный стиль к примеру, подражание кастаньетам. Заголовки частей носят жанрово-изобразительный характер, например «Бабочки». Важным моментом является и придание басу виолончель, клавесин или басовая виола самостоятельного характера, вплоть до участия в экспозиции тем. В следующем году появляется первый сборник сонат Жан-Фери Ребеля 1666—1747.
Сын члена Королевской капеллы, ученик Люлли, он восьмилетним мальчиком уже играл перед королем. Затем служил в опере скрипачом, клавесинистом и дирижером. Позднее входил в ансамбль «Двадцать четыре скрипки короля», был придворным композитором и дирижером бальных оркестров. Ребель назвал свой сборник «Пьесами, расположенными по тональностям, для скрипки с басом, которые могут быть исполнены также на клавесине или виоле». Названия частей — танцевальные, типично сюитные.
Два следующих сборника 1712, 1713 — трио-сонаты и дуэты. Ребель в них отказывается от танцевальных заголовков и дает частям фантастическо-мифологические названия: «Флора», «Аполлон», «Венера» и т. Интерес представляют и два каприса для скрипки с басом — «Рондо» и «Колокольчики». Современники отмечали, что Ребель внес в сонаты много огня и вкуса, что, благодаря французской легкости и умеренности, ему Удалось избежать «устрашающих резкостей» итальянского стиля. В 1707 году появляются сборники сонат еще двух авторов, участников ансамбля «Двадцать четыре скрипки короля»,— Ж.
Маршана — «Сюиты пьес для скрипки и баса» и Ш. Лаферте — «Сонаты для скрипки и баса». Все эти сборники показывают, насколько быстро был освоен во Франции этот новый передовой жанр скрипичной музыки. Однако усвоение сонатного жанра публикой происходило гораздо медленнее. Привычка к живым танцевальным миниатюрам затрудняла восприятие иного, более сложного образного содержания сонат.
Они казались утомительными, скучными или «устрашающими». Руссо писал: «Чтобы понять, что же собирается выразить это нагромождение звуков в сонатах, надо поступить так, как сделал один плохой художник, который подписал под своими картинами — это дерево, это — лошадь и т. Нередко присоединялись к ним и другие инструменты — арфа, флейты, гобои, валторны и т. Это обилие продукции, не всегда равноценной, приводит к формированию к середине века высокохудожественных образцов французской скрипичной сонаты в творчестве Жан-Мари Леклера, Жака Обера, Жан-Батиста Сенайе и других. Расцвет сонатного творчества, а также инструментального концерта был связан с активизацией концертной жизни во второй четверти века, приездами на гастроли выдающихся иностранных артистов.
Кроме концертов при дворе и во дворцах знати, в Париже в 1725 году Ф. Филидором основывается общество так называемых «Духовных концертов». Быстро утратив свое первоначальное назначение, они стали первыми постоянными открытыми светскими концертами, в которых выступали лучшие исполнители — как местные, так и иностранные. К первым десятилетиям XVIII века относятся и попытки создания «Школ» обучения игре на скрипке, потребность в которых остро ощущалась. Одна из первых таких «Школ» весьма элементарная и ограниченная методикой обучения лишь начальным техническим навыкам принадлежит М.
Она вышла в 1712 году под названием «Легкая метода игры на скрипке с прибавлением краткого изложения основных принципов, необходимых для исполнения на этом инструменте». Расширенное издание этой «Школы» появилось в 1720 году. В 1718 году учитель музыки и танца П. Дюпон издал «Принципы скрипки в вопросах и ответах, с помощью которых каждый может сам научиться играть на этом инструменте». Эта «Школа», также весьма примитивная, выдержала и второе издание в 1740 году.
Одним из наиболее крупных старших современников Леклера был Жан-Батист Анэ 1676—1755 , замечательный французский виртуоз, ученик А.
Вняв многочисленным вопросам зрителей, которыми те буквально засыпали организаторов во время антракта, дирижёр представил все инструменты в начале второго акта. Также в рамках фестиваля солисты оркестра провели мастер-класс по игре на русских народных инструментах для учащихся музыкальной школы и студентов консерватории.
Как сообщала информационная служба фонда «Русский мир», фестиваль «РуссенКо» впервые прошёл в 2010 году в рамках Года Россия — Франция.
Вняв многочисленным вопросам зрителей, которыми те буквально засыпали организаторов во время антракта, дирижёр представил все инструменты в начале второго акта. Также в рамках фестиваля солисты оркестра провели мастер-класс по игре на русских народных инструментах для учащихся музыкальной школы и студентов консерватории. Как сообщала информационная служба фонда «Русский мир», фестиваль «РуссенКо» впервые прошёл в 2010 году в рамках Года Россия — Франция.
Французские народные инструменты. Какой музыкальный инструмент во франции
Аккордеоны, волынки, флейты, колесные скрипки херди-герди и прочие народные инструменты, выполненные вручную, будут играть на 30 концертах, в танцевальных программах для взрослых и на уроках народных танцев для детей. Специальным гостем нынешнего фестиваля станет Марк Перроне, композитор и музыкант, прославившийся исполнением традиционных мелодий на диатоническом аккордеоне.
Редакция сайта не несет ответственности за достоверность информации, содержащейся в рекламных объявлениях. На информационном ресурсе применяются рекомендательные технологии: mirtesen , smi2.
Сати, Ж.
Орика, Ф. Пуленка, Д. Мийо и др. Нелёгким был процесс становления многих композиторов, творч. К их числу принадлежал и А.
Отдав дань увлечению музыкой Вагнера, Франка, испытав влияние импрессионизма опера-балет "Падмавати", 1918; балет-пантомима "Пиршество паука", 1913 , он обратился к неоклассицизму балет "Вакх и Ариадна", 1931; 3-я и 4-я симфонии, 1930 и 1934, и др. К этому же периоду относится деятельность композитора и муз. Пуленк, A. Coгe , композитора и пианиста Роже-Дюкаса, примыкавшего к позднеромантич. Маньяра, Л.
Обера, Г. Ропарца и др. В среде молодых деятелей культуры возникает протест против бурж. В первые десятилетия 20 в. Совместно с поэтом, либреттистом, художником и критиком Ж.
Кокто он возглавил движение молодых франц. Сати оказал влияние на молодых композиторов скорее как духовный наставник, а не своим творчеством, к-рое при всём своеобразии в его произв. Публичный скандал сопровождал постановку балета Сати "Парад" сценарист Кокто, худ. Пикассо, 1917 , вызванный как непривычной музыкой, воплотившей дух мюзик-холла, воссоздающей уличные шумы, так и самой постановкой сближением хореографии с эстрадой, эксцентрикой и кубофутуристич. Композиторская молодёжь восторженно встретила балет.
Под эгидой Сати и Кокто возникло творч. Колле в статье "Пять русских и шесть французов", напечатанной в 1920. Мийо, А. Онеггер, Ф. Пуленк, Ж.
Орик, Л. Дюрей, Ж. Тайфер - не была стилистически единой школой, не придерживалась общих идейно-эстетич. Её участников объединяли любовь к франц. Отдав известную дань урбанизму "Пасифик-231" и "Регби" для оркестра Онеггера, 1923, 1928; вок.
После разрыва с "Шестёркой" Сати сформировал новую группу молодых композиторов - т. Аркейскую школу, не имевшую, как и "Шестёрка", творч. В неё вошли A. Coгe, Р. Дезормьер, М.
Жакоб, А. Крупнейшими представителями Ф. Композитор большого драм. Отсюда тяготение его к античной, библейской, ср. Стремясь к обобщённости образов, он пришёл к сближению жанров оперы и оратории.
Яркими образцами симфонизма служат его симфонии - 3-я "Литургическая" 1946 , 5-я "Симфония трёх ре" 1950. Онеггер преломляет в своём творчестве разл. Многоликость характеризует творчество Мийо, охватывающее почти все муз. Среди его 16 опер встречаются произв. Ему принадлежат также оперные миниатюры пародийное преломление мифологич.
Мийо - мастер камерно-инстр. В камерно-инстр. В то же время Мийо - последовательный сторонник политональности, к-рая возникает у него как результат объединения разнотональных мелодич. Значителен вклад в оперное иск-во и камерно-вок. Его музыке присуща чисто франц.
В трёх операх - буффонной "Груди Тирезия" 1944 , трагедийной "Диалоги кармелиток" 1956 , лирико-психологич. В годы фашистской оккупации этот прогрессивный художник создал патриотич. Элюара, 1943. Наиболее ярко индивидуальность композитора проявилась в 20-е гг. Художник-гуманист, он воплотил в своём творчестве трагедию военных лет "Четыре песни страдающей Франции", на сл.
Арагона, Ж. Сюпервьеля, П. Элюара, 1947; цикл из 6 поэм на сл. Элюара, 1948. Одно из лучших его произв.
В 30-е гг. Вместе с тем мн. К движению антифашистского Нар. Своей музыкой они откликнулись на острые вопросы современности оратории "Голоса мира", 1931, "Пляски мёртвых", 1938, Онеггера; хоры на тексты революц. Мийо; "Песня борцов за свободу" и "На крыльях голубя" для хора Дюрея; ряд массовых песен, в т.
Пробудился также большой интерес к нар. Ибер, Д. Лазарюс участвовали в создании музыки к революц. Роллана "14 июля" 1936. В 1935 была создана Народная музыкальная федерация, в к-рую вошли прогрессивные деятели, в т.
Прюньер, А. Радиге, писатели Л. Арагон, Л. Муссинак и др. Наряду с деятелями "Шестёрки", Аркейской школы свой вклад в развитие Ф.
Ибер, К. Дельвенкур, Э. Бондевиль, Ж. Вьенер, Ж. В 1935 возникло новое творч.
Входившие в эту группу композиторы О. Мессиан, А. Жоливе, Даниель-Лесюр, И. Бодрие видели свою задачу в создании "живой" музыки, проникнутой гуманизмом, в возрождении нац. Для них характерен особый интерес к душевному миру человека.
Они стремились "пробуждать в человеке музыку" и "выражать в музыке человека", считали себя провозвестниками нового гуманизма. К числу крупнейших мастеров муз. Зачастую его композиторские замыслы преломляются сквозь призму религ. Для Мес-сиана характерно тяготение к идеальным, неземным образам. Творчество его пронизано теолого-мистич.
Музыка Мессиана основывается на сложных ладовых структурах, аккордово-сонорных конструкциях, ритмич. Большое значение придавал он внеевроп. Обосновывая свои творч. Талантливый педагог, он включает в учебные программы изучение классики, музыки стран Азии, композиторов 20 в. Шёнберга , стремится привить своим ученикам среди них - П.
Булез, С. Ниг, к-рые занимались также теорией композиции у Э. Лейбовица интерес к поиску. Во время фашистской оккупации в годы 2-й мировой войны 1939-45 муз. Передовые музыканты своим творчеством сражались с врагом: создавались песни Сопротивления, родились произв.
Пуленка, Орика, Онеггера , отразившие ужасы войны, чаяния освобождения, героич. После окончания войны началось возрождение муз. Театры возобновили постановки опер и балетов франц. В послевоенные годы продолжалась активная творч. Франсе, А.
Дютийё, Ж. Мартине, М. С кон. Додекафония, Сериальность , Электронная музыка, Алеаторика и др. Видным представителем франц.
Веберна, широко применяет такие методы композиции, как пуантилизм, сериальность. Булез выступает за тотальную сериальность. Он использует также сонористику см. Соноризм , элементы к-рой присутствуют в одном из известных его соч. В 1954 им были организованы концерты новой музыки "Domaine musicale", ставшие центром франц.
Ами, в 1974 прекратились. С 1975 в 1966-75 работал в Великобритании, США Булез стоит во главе созданного по его инициативе Ин-та исследований и координации муз. Нек-рые композиторы пришли к использованию принципов алеаторики - Ами, А. Букурешлиев, П. Мефано, Ж.
Ведутся поиски в сфере электронной и т. Шеффер, И. Анри, Ф. Байль, Ф. Маш, Б.
Пармеджани и др. С этой целью Шеффер создал в 1948 группу муз. Особую "стохастическую" систему композиции основанную на математич. В то же время ряд композиторов выступает за разумное обновление музыки, стремится соединить новейшие средства муз. К нац.
Назыму Хикмету, 1950 , 2 концертов для фп. К этому направлению принадлежат также комп. Баиф, Ж. Бондон, Р. Бутри, Ж.
Гиллу, Ж. Косма, М. Михаловичи, К. Паскаль и др. Большой вклад во Ф.
Монтё, П. Паре, А. Клюитенс, Ш. Брюк, И. Маркевич, П.
Древо, Ж. Мартинон, Л. Форестье, Ж. Претр, П. Бодо; пианисты - А.
Корто, М. Лонг, Э. Рислер, Р. Казадезюс, Ив Нат, С. Франсуа, Ж.
Помье; скрипачи - Ж. Тибо, З. Франческатти, Ж. Невё; виолончелисты - М. Марешаль, П.
Фурнье, П. Тортелье; органисты - Ш. Турнемир, М. Дюпре, О. Мессиан, Ж.
Ален; певцы- Э. Блан, Р. Креспен, Ж. Жиродо, М. Жерар, Д.
Дюваль; шансонье - А. Брюан, Э. Пиаф, С. Генсбур, Ж. Брассенс, Ш.
Азнавур, М. Матьё, М. Шевалье, Дж. Дассен и др. Истории Ф.
Комбарьё, А. Лавиньяка, Ж. Тьерсо, Л. Ландорми, Р. Роллана, А.
Прюньера, Э. Вийермоза, Р. Дюмениля, Н. Дюфурка, Б. Гавоти, Р.
Гофмана, А. Голеа, Ф. В Париже функционируют 1980 : т-р "Гранд-Опера", Парижская оперная студия создана в 1973 на основе т-ра "Опера комик", утратившего своё значение , "Театр Наций" создан в 1954, спектакли проходят в разных театр. В 1975 в Париже открыт Дворец конгрессов, где проводятся симф. Среди спец.
Корто и А. Манжо в Париже, Амер. Важнейшим муз. Книги, архивные материалы хранятся в Нац. В Париже находятся крупнейшие муз.
В 1977 в Париже создан Нац. Во Франции проводятся: Междунар. Лонг - Ж. Тибо организован в 1943 как национальный, с 1946 - международный , конкурс гитаристов 1959, с 1961 - международный, с 1964 - Междунар. Осенний фестиваль в Париже, посв.
Во Франции издаются муз. В Париже вышел ряд энциклопедич. Les hommes et leurs oeuvres" v. Science de la musique. Formes, technique, instruments" v.
Литература: Иванов-Борецкий М. Друскина, M. Очерки, M. Шестакова, M. Бронфин, M.
Очерки истории. Виноградова Бархатное звучание французской гармоники с французским шармом создает весеннее настроение. Другими словами, аккордеон - это особые эмоции, расплавленные в городских звуках. Как живописные бытовые сцены Ренуара и Мане, городские этюды Моне, Дега и его танцовщицы, французский аккордеон рисует картины городского быта и жизни его персонажей. Как появился аккордеон во Франции Синонимом парижского образа жизни является м ю з е т от франц.
Парижские балы были олицетворением мюзета и имели большой успех в начале ХХ века. После Первой мировой войны волыночный мюзет уступил место аккордеону и новым танцам - вальсу, фокстроту, кадрили. В новых формах танца аккордеону уделялось центральное место. Музыкальный стиль «мюзет» сочетает в себе виртуозные пассажи, французский шансон и мелодии, попурри. Аккордеон развивался как инструмент массовой культуры.
Во Франции его популярность определила доступность и легкость воспроизведения народных мелодий. Что такое французский аккордеон А ккордеон - современный вариант ручной гармоники, где имеется правая и левая клавиатуры. Играют на таком инструменте двумя руками, стоя или сидя. Французский аккордеон отличается от русской гармони большим размером и клавиатурой как у фортепиано с 2-мя рядами кнопок. Баян - другой вид аккордеона, уже модернизированный.
Это кнопочный инструмент, но с расширенным звуковым диапазоном. После изменений конструкции аккордеона, он стал называться баяном только на территории России. Конструкторская мысль народных мастеров развивалась в направлении оригинального звучания. Так, мастера Дебен Бюссон и Летерм совместили 2 тембровых голоса, звучащие «вразлив». Такая модель определила своеобразную мелодию и прообраз современного аккордеона.
Ему подвластны изящные вальсы, легкая полька, зажигательные латинские танцы и танго. Интересную область освоения аккордеона представляет джазовая музыка. Простора и динамики вполне достаточно, чтобы исполнять самые неожиданные интерпретации. Выразительным приемом - интонированием - аккордеон способен проникнуть в сущность джазового искусства и свободно импровизировать. В популярной музыке 30-50х г.
Винтажная музыка Жеже де Монмартра - шансонье и аккордеониста из Гренобля в настоящее время покоряет сердца москвичей. В его музыкальной шкатулке ретро-мелодии, французские популярные песни, босса-нова, джазовые и блюзовые композиции, создающие образ разноликого Парижа. Как показывает репертуар современных исполнителей, в инструментальной музыке огромный пласт составляет аккордеонное искусство. Инструмент тесно связан с европейскими традициями и с массовым музицированием. Он определяет ценность французской музыкальной культуры и является мощным средством современной коммуникации.
Духовые - это древнейший вид музыкальных инструментов, пришедший в Средневековье из античности. Однако в процессе развития и становления средневековой западной цивилизации сфера применения духовых инструментов очень расширяется: одни, как, например, олифант, являются принадлежностью дворов благородных сеньоров, другие - флейты - находят применение как в народной среде, так и в среде профессиональных музыкантов, третьи, такие как труба, становятся исключительно военными музыкальными инструментами. Древнейшим представителем духовых во Франции, вероятно, надо считать фретель fretel , или «флейту Пана». Подобный инструмент можно увидеть на миниатюре из рукописи XI в. Это многоствольная флейта, состоящая из набора трубок камышовых, тростниковых или деревянных разной длины, с одним открытым и другим закрытым концом.
Бархатное звучание французской гармоники с французским шармом создает весеннее настроение. Другими словами, аккордеон - это особые эмоции, расплавленные в городских звуках. Как живописные бытовые сцены Ренуара и Мане, городские этюды Моне, Дега и его танцовщицы, французский аккордеон рисует картины городского быта и жизни его персонажей. Как появился аккордеон во Франции Синонимом парижского образа жизни является м ю з е т от франц. Парижские балы были олицетворением мюзета и имели большой успех в начале ХХ века. После Первой мировой войны волыночный мюзет уступил место аккордеону и новым танцам - вальсу, фокстроту, кадрили. В новых формах танца аккордеону уделялось центральное место. Музыкальный стиль «мюзет» сочетает в себе виртуозные пассажи, французский шансон и мелодии, попурри. Аккордеон развивался как инструмент массовой культуры. Во Франции его популярность определила доступность и легкость воспроизведения народных мелодий.
Что такое французский аккордеон А ккордеон - современный вариант ручной гармоники, где имеется правая и левая клавиатуры. Играют на таком инструменте двумя руками, стоя или сидя. Французский аккордеон отличается от русской гармони большим размером и клавиатурой как у фортепиано с 2-мя рядами кнопок. Баян - другой вид аккордеона, уже модернизированный. Это кнопочный инструмент, но с расширенным звуковым диапазоном. После изменений конструкции аккордеона, он стал называться баяном только на территории России. Конструкторская мысль народных мастеров развивалась в направлении оригинального звучания. Так, мастера Дебен Бюссон и Летерм совместили 2 тембровых голоса, звучащие «вразлив». Такая модель определила своеобразную мелодию и прообраз современного аккордеона. Ему подвластны изящные вальсы, легкая полька, зажигательные латинские танцы и танго.
Интересную область освоения аккордеона представляет джазовая музыка. Простора и динамики вполне достаточно, чтобы исполнять самые неожиданные интерпретации. Выразительным приемом - интонированием - аккордеон способен проникнуть в сущность джазового искусства и свободно импровизировать. В популярной музыке 30-50х г. Винтажная музыка Жеже де Монмартра - шансонье и аккордеониста из Гренобля в настоящее время покоряет сердца москвичей. В его музыкальной шкатулке ретро-мелодии, французские популярные песни, босса-нова, джазовые и блюзовые композиции, создающие образ разноликого Парижа. Как показывает репертуар современных исполнителей, в инструментальной музыке огромный пласт составляет аккордеонное искусство. Инструмент тесно связан с европейскими традициями и с массовым музицированием. Он определяет ценность французской музыкальной культуры и является мощным средством современной коммуникации. Отправить свою хорошую работу в базу знаний просто.
Используйте форму, расположенную ниже Студенты, аспиранты, молодые ученые, использующие базу знаний в своей учебе и работе, будут вам очень благодарны. Со становлением Франции в период Средневековья во французской музыке слились народные музыкальные традиции многочисленных регионов страны. Французская музыкальная культура развивалась, взаимодействуя также с музыкальными культурами других европейских народов, в частности итальянского и немецкого. Начиная со второй половины 20 века музыкальная сцена Франции обогатилась музыкальными традициями выходцев из Африки. Она не остаётся в стороне от мировой музыкальной культуры, вобрав в себя новые музыкальные тенденции и придав особый французский колорит джазу, року, хип-хопу и электронной музыке. Французская музыкальная культура начала формироваться на богатом слое народной песни. Хотя древнейшие достоверные записи песен, сохранившиеся до наших дней, датируются 15 веком, литературные и художественные материалы свидетельствуют о том, что ещё со времен Римской империи музыка и пение занимали видное место в повседневной жизни людей. С христианством на французские земли пришла церковная музыка. Первоначально латинская, она постепенно изменялась под влиянием народной музыки. Церковь использовала в богослужениях материал, понятный местным жителям.
Одним из существенных пластов французской музыкальной культуры была церковная музыка, получившая распространение вместе с христианством. В церковную музыку проникли гимны, складывались свои певческие обычаи, появились местные формы литургии. К фольклорным принадлежат также песни, связанные с галльскими и кельтскими верованиями. Среди лирических жанров особое место занимают пасторали идеализация сельской жизни. В произведениях любовного содержания преобладают темы неразделённой любви, расставания. Немало песен посвящено детям --колыбельные, игровые, считалки фр. Разнообразны трудовые песни жнецов, пахарей, виноградарей и др. Особую группу составляют баллады о крестовых походах, песни, изобличающие жестокость феодалов, королей и придворных, песни о крестьянских восстаниях эту группу песен исследователи называют «поэтическим эпосом истории Франции». Жан-Филипп Рамо. Ставший знаменитым лишь в зрелые годы, Ж.
Рамо так редко и скупо вспоминал о своем детстве и юности, что даже его жена почти ничего об этом не знала. Лишь по документам и отрывочным воспоминаниям современников мы можем восстановить путь, приведший его на парижский Олимп. День его рождения неизвестен, а крещен он был 25 сентября 1683 г. Отец Рамо работал церковным органистом, и первые уроки мальчик получил от него. Музыка сразу стала его единственной страстью. Жан-Батиса Люлли. Этот выдающийся музыкант-композитор, дирижер, скрипач, клавесинист прошел жизненный и творческий путь, чрезвычайно своеобразный и во многом характерный для его времени. Тогда еще сильна была неограниченная королевская власть, но уже начавшееся экономическое и культурное восхождение буржуазии привело к появлению людей из третьего сословия в качестве не только "властителей дум" литературы и искусства, но и влиятельных фигур в чиновно-бюрократических и даже придворных кругах. Франсуа Куперен - французский композитор и клавесинист, как непревзойденный мастер игры на клавесине он удостоился от своих современников титула "Le Grand" - "Великий". Родился 10 ноября 1668 г.
Его отцом был Шарль Куперен, церковный органист. Французская музыка классического направления достигла своего расцвета в 19 веке. Эпоха романтизма во Франции представлена произведениями Гектора Берлиоза, прежде всего, его симфонической музыкой. А в конце этого столетия во Франции появляется новое направление в классической музыке - импрессионизм, который связывают с именами Клода Дебюсси, Эрика Сатии Мориса, Равеля В 20-х годах 20 века во Франции распространяется джаз , выдающимся представителем которого был Стефан Граппелли. Во французской поп-музыке сложился жанр шансона, где ритм песни повторяет ритм французского языка, акцент делается как на словах, так и на мелодии. Благодаря Мирей Матье, Эдит Пиаф и Шарлю Азнавуру французская музыка в жанре шансон стала необычайно популярна и любима во всем мире. Хочу рассказать про Эдит пиаф 19 декабря 2014 года исполняется ровно 99 лет, как в Париже появилась на свет певица Эдит Пиаф. Она родилась в тяжелейшее время, несколько лет жила слепой и начинала петь в самых злачных кабаках. Постепенно, благодаря своему таланту, Пиаф покорила Францию, Америку, а затем и весь мир… Начало 30-х годов. Из маленького кинотеатра на окраине города после вечернего сеанса выходит странное создание в грязном свитере и потрепанной юбчонке.
Губы неровно намазаны ярко-красной помадой, круглые глаза вызывающе глядят на мужчин. Она посмотрела фильм с Марлен Дитрих. И у нее прическа точь-в-точь как у кинозвезды! Вихляя тощими бедрами, самоуверенная пигалица заходит в прокуренный бар и заказывает два стакана дешевого вина -- себе и молодому моряку, к которому подсела за столик... Эта вульгарная уличная девчонка скоро станет Эдит Пиаф. Во второй половине 20 века во Франции становится популярной эстрадная музыка, известными исполнителями которой явяются Патрисия Каас, Джо Дассен, Далида, Милен Фармер. Патримсия Каамс фр. Patricia Kaas; род. Стилистически музыка певицы -- это смесь поп-музыки и джаза. С момента выхода дебютного альбома Каас «Мадмуазель поёт блюз» фр.
Mademoiselle chante le blues в 1988 году во всём мире было продано более 17 миллионов записей её выступлений. Особо популярна во франкофонных и немецкоговорящих странах, а также в России. Существенная часть её формулы успеха -- это постоянные гастроли: Каас практически всё время находится в заграничных турне. Представляла Францию на конкурсе песни «Евровидение» 2009 года и заняла 8 место. Одним из пионеров электронной музыки был французский композитор Жан-Мишель Жарр, его альбом Oxygene стал классикой электронной музыки. В 90-х годах 20 века во Франции развиваются и другие жанры электронноймузыки, такие как хаус, трип-хоп, нью-эйдж, и другие. Размещено на Allbest. Рамо и "большая" французская опера. Французская лирическая трагедия как жанр. Лирические трагедии Рамо.
Рамо и Де Ла Брюер. Рамо - звучащий Версаль. Черты стиля Рококо в музыке и других видах творчества. Музыкальные образы французских клавесинистов, клавесинная музыка Ж. Рамо и Ф. Метроритм, мелизматика, динамика. Специфика исполнения французской клавирной музыки на аккордеоне. Артикуляция, меховедение и интонирование, техника исполнения мелизма. Логико-понятийная схема французской музыкальной терминологии: истоки и принципы формирования. Эволюция французской музыкальной терминологии исполнительского искусства, иноязычное влияние на данную сферу.
Специфика стиля разных эпох. Додекафонная техника музыкальной композиции. Натуральный мажор и минор, особенности пентатоники, использование народных ладов. Роль В. Одоевского в российской музыкальной культуре. Анализ церковной музыки. Профессиональный разбор специфики выразительных средств музыки, особенностей баховской полифонии. Признаки психологизма в музыке. Эффективные методы, способствующие воспитанию у подростков музыкальной культуры. Вокально-хоровая работа.
Исполнительный репертуар учащихся. Слушание музыки. Метроритмика и игровые моменты. Межпредметные связи. Формы контроля. Фрагмент урока музыки для 3 класса. Истории направлений американской музыки. Основные течения джаза и кантри. Характерные черты музыкального языка джаза. Ковбойские баллады Дикого Запада.
Французская музыка, которую мы слышим, имеет глубокие корни. Она появляется из народного творчества крестьян и горожан, религиозной и рыцарской поэзии, из танцевального жанра. Становление музыки зависит от эпох. Кельтские верования, а впоследствии региональные нравы французских провинций и соседних народностей образуют особенные музыкальные мелодии и жанры, присущие музыкальному звучанию Франции. Музыка кельтов Галлы - самый крупный кельтский народ потерял свой язык, заговорив на латинском, но приобрел кельтские музыкальные традиции, танцы, эпос и музыкальные инструменты: флейту, волынку, скрипку, лиру. Галльская музыка распевная, связана с поэзией неразрывно. Голос души и выражение эмоций передавали странствующие барды. Они знали множество песен, владели голосом и умели играть, а также использовали музыку в таинственных ритуалах. Во французском фольклоре известны 2 варианта музыкальных произведений: баллады и лирика - народная поэзия с припевом, который заменял музыку. Все песни написаны французским языком, несмотря на то, что жители разных частей Франции говорили на собственных наречиях.
Язык центральной Франции считался торжественным и поэтичным. Эпические песни Песни-баллады были в большом почете в народной среде. Германские предания взяли за основу таланты из народа для своих песен-легенд. Эпический жанр исполнял жонглер - народный певец, который как летописец увековечивал события в песне. Позже, его музыкальный опыт передается средневековым бродячим певцам - трубадурам, менестрелям, труверам. Среди песен-легенд значительную группу составляет песня - жалоба, как отклик на трагические или несправедливые события. Религиозный или светский рассказ обычно грустный, с преобладанием минорной тональности.
В Улан-Удэ выступила мировая джазовая звезда
Музыкальные инструменты Франции(1). Ансамбль народных инструментов «Волга-фолк Бэнд». Возможно, именно из-за этой простоты и доступности домбра стала истинно "народным" инструментом, говорит преподаватель отделения народных инструментов республиканского Колледжа искусств Любовь Дохаева. Зурна – народный инструмент, который представляет собой деревянную трубку с расширением – раструбом. во Франции существует и несколько своих вариантов волынки: кабретта (с одним бурбоном), бодега, центральнофранцузскя волынка(2 или 3 бурбона).
Музыка во Ф ранции
По статистике именно аккордеон является одним из самых любимых инструментов жителей России, ведь этот музыкальный инструмент позволяет создавать уникальные мелодии и оригинальное звучание музыки в разной тональности. Нужно заметить также, что аккордеон сейчас является одним из самых совершенствующихся и развивающихся музыкальных инструментов: с каждым годом увеличиваются регистровые и тембровые возможности, что делает инструмент поистине уникальным. Несмотря, на страну происхождения этого инструмента, на сегодняшний день, именно российские аккордеонисты владеют самой виртуозной техникой игры и становятся бессменными призерами и лауреатами всевозможных музыкальных конкурсов, что демонстрирует русскую любовь и привязанность именно к этому клавишному музыкальному инструменту: показательно, что в годы Великой Отечественной войны солдаты везли в качестве трофея из Германии немецкие аккордеоны. В годы Великой Отечественной Войны баян и аккордеон звучали на привалах, в землянках, скрашивая суровое время, снимая усталость, придавая силы, вдохновляя на боевые подвиги. Состоявшаяся в 2001 году встреча президента России Владимира Путина с канцлером ФРГ Герхардом Шрёдером проходила под аккордеонную музыку: Владимир Ушаков и Светлана Ставицкая, аккордеонисты из Санкт-Петербурга, более 45-ти минут исполняли популярные эстрадные композиции, обработки для аккордеона народной музыки и классических произведений. В нашей школе дети успешно обучаются на баяне и аккордеоне, что помогает охватывать все стороны человеческой личности: мировоззрение, кругозор, эстетическое восприятие, развивает интеллект, а также формирует художественный вкус.
Как играть? Тамбурин — это достаточно интересный старинный музыкальный инструмент. Его история имеет древние корни, сам он является одним из близких родственников барабана и бубна, а также относится к семейству ударных мембранофонов.
О том, что же собой представляет данный музыкальный инструмент, в чём его отличия от барабана и бубна, какова его история и о многом другом, вы сможете узнать из информации, что приведена ниже. Что это такое? Тамбурин — это одна из разновидностей ударных музыкальных инструментов, имеющая форму цилиндра и относящаяся к семейству мембранофонов. Помимо этого, так называется особый танец в двудольном размере, а также музыкальная композиция к нему. Тамбурин, ввиду его формы и звучания, достаточно часто используется в разнообразных обрядах шаманов, ритуалах, песнопениях и танцах. В руках талантливого шамана звучание этого инструмента становится поистине завораживающим, магическим и чарующим. Кроме того, услышать его звучание можно и в музыке турецких, греческих и итальянских народов. Самые близкие родственники данного музыкального инструмента — это обыкновенный барабан или же бубен.
Однако разница между всеми этими инструментами всё-таки очень заметна. Тамбурин выглядит как барабан маленького размера, но он значительно превосходит его по длине, а в ширину, наоборот, меньше. Кроме того, в игре он гораздо податливее барабана. Отличий от бубна тоже достаточно много, как, собственно, и внешних сходств. Однако тамбурин отличается некоторыми особенностями своей конструкции, да и звучит он намного мягче и не так резко, скорее, даже глухо. Описанию музыкального инструмента Традиционный тамбурин выглядит как ободок из дерева, имеющий круглую форму.
Слайд 3 Описание слайда: Песни во Франции 2 Светская музыка Наряду с культовой развивалась светская музыка, звучавшая в народном быту, при дворах франкских королей, в замках феодалов.
Носителями народных музыкальных традиций средневековья были главным образом бродячие музыканты — жонглёры, которые пользовались большой популярностью в народе. Они пели нравоучительные, шуточные, сатирические песни, танцевали под аккомпанемент различных инструментов, в том числе тамбурина, барабана, флейты, щипкового инструмента типа лютни это способствовало развитию инструментальной музыки. Жонглеры выступали на праздниках в деревнях, при феодальных дворах и даже в монастырях участвовали в некоторых обрядах, театрализованных шествиях.
Это кнопочный инструмент, но с расширенным звуковым диапазоном. После изменений конструкции аккордеона, он стал называться баяном только на территории России. Конструкторская мысль народных мастеров развивалась в направлении оригинального звучания. Так, мастера Дебен Бюссон и Летерм совместили 2 тембровых голоса, звучащие «вразлив». Такая модель определила своеобразную мелодию и прообраз современного аккордеона.
Ему подвластны изящные вальсы, легкая полька, зажигательные латинские танцы и танго. Интересную область освоения аккордеона представляет джазовая музыка. Простора и динамики вполне достаточно, чтобы исполнять самые неожиданные интерпретации. Выразительным приемом — интонированием - аккордеон способен проникнуть в сущность джазового искусства и свободно импровизировать.
Новости по теме
- Музыка Франции — Википедия
- Колёсная лира — главный музыкальный инструмент Франции
- История народных инструментов: бандура. Новости Владимира.
- Аккордеон: история, видео, интересные факты, слушать
- Мандора (музыкальный инструмент). Большая российская энциклопедия
Оркестр народных инструментов нижегородской ДШИ №9 покоряет города и страны
А что вас может перенести за грань реальности? Что может перевернуть ваш внутренний мир? Какие произведения, какая музыка? Задумайтесь об этом. Но сегодня я расскажу вам о музыке Франции. Сегодня вы убедитесь, что она такая же чудесная, как и сама Франция. Так же утонченно звучит и манит, и манит, и манит. Французский язык очень музыкален, мелодичен, напевен. Самые простые слова и фразы словно таят в себе музыку и в любой момент готовы превратиться в песню. Французская музыка — одна из самых интересных и влиятельных европейских музыкальных культур.
В ней явно прослеживаются отголоски древних культур, фольклор кельтских и франкских племен, живших в давние времена на территории нынешней Франции. Именно они послужили основой, благодатной почвой, на которой, если выражаться образно, выросло прекрасное, могучие, ветвистое древо французской музыкальной культуры. Кельтские и франкские корни преобразились в крепкий ствол, сформировавшийся в эпоху средневековья, а многочисленные ветви и веточки выросли на нем в более поздние периоды, например, в эпоху ренессанса, классицизма, модерна и т. Сюда органично вплелись музыкальные традиции, как многочисленных народов страны, так и других европейских государств. Наиболее тесное взаимодействие и взаимопроникновение наблюдалось между музыкальными культурами Франции, Италии, Германии, Испании. Фламандская культура так же оказала большое влияние. Следует помнить, что, как утверждают сами французы, Франция — это страна, открытая миру. Правда, на протяжении веков они понимали этот лозунг весьма своеобразно, например, ведя активную колонизаторскую политику. Тем не менее, в плане развития собственной музыкальной культуры этот процесс оказал ощутимое положительное влияние.
Французская музыкальная культура значительным образом обогатилась, впитав в себя все самое лучшее из музыкальных культур народов Африки и Азии. Эта тенденция ярко проявилась во второй половине 20 века, когда музыкальная сцена Франции обогатилась музыкальными традициями выходцев из Африки. Говоря о музыкальной культуре Франции, нельзя не упомянуть существенный вклад в ее развитие, сделанный русской музыкальной культурой. Две великие державы связаны тесными узами долгой истории практически во всех сферах человеческой деятельности. Долгое время, русская культура подпитывалась за счет французской, которая воспринималась в нашем обществе в качестве эталона и объекта для подражания. Но потом пришло время «отдавать долги», и уже культурные деятели Франции равнялись на своих российских коллег, перенимали от них все самое лучшее, передовое и интересное. После революции 1917 года и гражданской войны в России многие эмигранты нашли приют именно во Франции. Их вклад во французскую культуру, в том числе и в музыкальную культуру, огромен. Его сложно переоценить, а тем более не заметить.
Таким образом, говоря о французской музыкальной культуре, мы говорим о совершенно уникальном явлении мирового масштаба. Эта культура впитала в себя все самое лучшее практически у всех народов, изменила, трансформировала, переосмыслила, придала новый импульс и звучание, и, в конечном итоге, сформировалась в нечто прекрасное, неповторимое, своеобразное, манящее и завораживающее. Это живой организм, продолжающий расти, изменяться, преображаться. Французская музыкальная культура не остается в стороне от мировой музыкальной культуры. Она придает новый, особый французский колорит таким современным направлениям в музыке, как джазу, року, хип-хопу и электронной музыке. Этапы формирования французской музыкальной культуры. Французская музыкальная культура начала формироваться на богатом слое народной песни. Древнейшие достоверные записи песен, сохранившиеся до наших дней, датируются 15 веком. С христианством на французские земли пришла церковная музыка.
Первоначально латинская, она постепенно изменялась под влиянием народной музыки. Церковь для укрепления своих позиций и влияния на французский народ, использовала в богослужениях материал, понятный, близкий и доступный местным жителям. Вот что об этом говориться в электронной энциклопедии Википедии: «Именно таким образом между 5 и 9 веками в Галлии сложился особый, своеобразный тип литургии — галликанский обряд с галликанским пением. О нем известно из исторических источников, свидетельствующих, что он значительно отличался от римского. К сожалению, он не сохранился, поскольку французские короли отменили его, стремясь получить от Рима титул императоров, а римская церковь пыталась добиться унификации церковной службы. Влияние ее на формирование музыкальной культуры было огромно, а отголоски слышны в музыке до сих пор, их только надо суметь услышать. В период Средневековья лучше всего было документировано развитие церковной музыки. На замену ранним галликанским формам христианской литургии пришла григорианская литургия. Распространение григорианского пения в период царствования династии Каролингов связано прежде всего с деятельностью бенедиктинских монастырей.
Католические аббатства Жюмьеж стали центрами церковной музыки, ячейками профессиональной духовной и светской музыкальной культуры. Для обучения учащихся пению при многих аббатствах были созданы специальные певческие школы метризы. Там преподавали не только григорианское пение, но и игру на музыкальных инструментах, умение читать музыку. В середине 9 в. В 9 веке григорианский хорал обогатился секвенциями, которые во Франции называют также прозами. Создание этой формы приписывалось монаху Ноткеру из Санкт-Галленского монастыря современная Швейцария. Впрочем, Ноткер указывал в предисловии к своей «Книге гимнов», что сведения о секвенции он получил от монаха с Жюмьежзского аббатства. Впоследствии во Франции особенно прославились авторы проз Адам из аббатства Сен-Виктор 12 в. Таким образом, легко заметить, что у фольклорной музыкальной культуры тематическая и жанровая палитра в разы богаче, чем у церковной.
Среди лирических жанров особое место занимают пасторали. Эта тема нашла отражение не только во французской музыкальной культуре, но и в литературе, живописи, театре. Популярная даже при королевском дворе пастораль воспевала и идеализировала сельскую жизнь, рисуя сказочную картинку, безумно далекую от реальной. Во французской народной музыке мне особенно нравится один раздел, который, так или иначе, присутствует в фольклоре любого народа. Он кажется мне наиболее милым, приятным, жизнерадостным. В нем ощущается тепло, трепет, материнская забота, наивность, стремление верить в чудеса и радоваться каждому прожитому дню. Я говорю о французских народных песнях посвященных детям — колыбельные, игровые, считалки фр. Разнообразны трудовые песни жнецов, пахарей, виноградарей и др. Другой жанр французской народной музыки был очень созвучен с музыкальными традициями стран Европы, участвовавших в крестовых походах.
Во всех странах-участницах создавались песни и баллады, повествовавшие об этих исторических событиях, подвигах, битвах, поражениях, рыцарях, героях, врагах и предателях. Разумеется, Французы не смогли остаться в стороне не от походов, не от творчества. К сожалению, большинство этих произведений не дошли до наших дней, в отличие от шедевров церковной музыки, которые чаще всего были записаны, то есть задокументированы. Однако ни церковная, ни народная музыка не могла удовлетворить духовные потребности третьей части общества, самой богатой и влиятельной — знати. Именно под ее влиянием начала постепенно зарождаться и формироваться светская музыка. Она звучала не под сводами церкви, не на ярмарках и городских площадях, а в королевском дворце, в замках знатных вельмож и феодалов. Носителями народных музыкальных традиций средневековья были главным образом бродячие музыканты — жонглёры, которые пользовались большой популярностью в народе. Они пели нравоучительные, шуточные, сатирические песни, танцевали под аккомпанемент различных инструментов, в том числе тамбурина, барабана, флейты, щипкового инструмента типа лютни это способствовало развитию инструментальной музыки. Жонглеры выступали на праздниках в деревнях, при феодальных дворах и даже в монастырях участвовали в некоторых обрядах, театрализованных шествиях, приуроченных к церковным праздникам, получивших название Carole.
Их преследовала церковь как представителей враждебной ей светской культуры. В 12-13 вв. Часть их оседала в рыцарских замках, попадая в полную зависимость от рыцаря-феодала, другие останавливались в городах. Таким образом, жонглеры, утратив свободу творчества, стали оседлыми менестрелями в рыцарских замках и городскими музыкантами. Однако этот процесс в то же время способствовал проникновению в замки и города народного творчества, который становится основой рыцарского и бюргерского музыкально-поэтического искусства. В эпоху позднего средневековья в связи с общим подъемом французской культуры начинает интенсивно развиваться и музыкальное искусство. В феодальных замках на основе народной музыки расцветает светское музыкально-поэтическое искусство трубадуров и труверов 11-14 вв. Во 2-й пол. Среди труверов наряду с королями, аристократией — Ричардом Львиное Сердце, Тибо Шампанским королём Наварры , впоследствии получили известность представители демократических слоев общества — Жан Бодель, Жак Бретель, Пьер Мони и другие.
Они внесли свои особенности в искусство трубадуров и труверов, отойдя от его возвышенно-рыцарских музыкально-поэтических образов, освоив народно-бытовую тематику, создав характерный стиль, свои жанры. Виднейшим мастером городской музыкальной культуры 13 века был поэт и композитор Адам де ла Аль, автор песен, мотетов, а также популярной в своё время пьесы «Игра о Робене и Марион» ок. Он по-новому трактовал традиционные единогласные музыкально-поэтические жанры трубадуров, использовав многоголосие. Отразилось это не только в политической и экономической, но и в культурной сфере. Создание в них университетов, школ способствовало развитию культуры, музыки и повышению роли музыки как искусства. Так, в созданном в начале 13 века Парижском университет Сорбонне, музыка была одним из обязательных и важных предметов. Это, безусловно, способствовало повышению роли музыки как искусства. В 12 веке одним из центров музыкальной культуры стал Париж, и прежде всего его Поющая школа собора Нотр-Дам, объединившая крупнейших мастеров — певцов-композиторов, ученых. С этой школой связан расцвет в 12-13 вв.
В произведениях композиторов Нотр-дамской школы григорианский хорал перетерпел изменения: ранее ритмически свободный, гибкий хорал приобрел большую размеренность и плавность отсюда название такого хорала cantusplanus. Осложнения многоголосной ткани и её ритмической структуры потребовало точного обозначения длительностей и совершенствование нотации — в результате представители парижской школы на смену учению о модусах постепенно пришли к мензуральной нотации.
Инструмент имеет бурдонный бочонок, две игровые трубки и мех для нагнетания воздуха. Именно маленький мех и стал главным отличием этой волынки от всех остальных.
Не требовалось дуть в инструмент, нагнетание воздуха достигалось с помощью меха. Аристократам ведь нельзя работать, вот и дуть они считали неприличным для себя. Эти инструменты изготавливались так, чтобы звук был тихим и мягким. А во французских салонах на этих инструментах играли преимущественно нежные аристократки.
Musette de cour.
При нажатии на клавиши появляется высокий звук струн шантрель. Первая колёсная лира была более 1. Инструмент ставили на колени обоих музыкантов. В 60-е и 70-е годы прошлого века инструмент снова стал популярным среди фольклорных исполнителей и ансамблей.
Канон, который использовали в своем проекте Геворкян и Закарян, известен также под названием «канун» и распространен не только в Армении, но также в Азербайджане, Турции, на Балканах и в арабских странах. И по внешнему виду, и по возможностям этот инструмент схож с гуслями. При этом в современных оркестрах русских народных инструментов аналогичную бас-канону функцию выполняет контрабас-балалайка. Комментарии отключены.
Какой национальный музыкальный инструмент Франции
это музыкальные инструменты, используемые в традиционной народной музыке Франции. Эти инструменты звучат в камерных концертах, различных ансамблях и оркестрах русских народных инструментов, они желанные Аккордеон в переводе с французского – означает «гармонь». Гигант русских народных инструментов: что объединяет балалайку и контрабас. Зурна – народный инструмент, который представляет собой деревянную трубку с расширением – раструбом. От него ко мне перешла любовь к созданию народных инструментов», – поделился Барсег Барсегян.
Волынки Франции
в конце была спета народная песня "не одна я в поле кувыркалась, не одной мне ветер в жопу дул". поосле этого была спета українська народна пісня "ой да залупилася на хую шкуринка". Невероятно, но факт: народный инструмент белорусы до сих пор воспринимают как диковинку. это музыкальные инструменты, используемые в традиционной народной музыке Франции. Довольно долго колесная лира, которая во Франции и Нормандии называлась вьель, была довольно большим инструментом — длиной до полутора метров. Волынка — народный духовой язычковый музыкальный инструмент. в конце была спета народная песня "не одна я в поле кувыркалась, не одной мне ветер в жопу дул". поосле этого была спета українська народна пісня "ой да залупилася на хую шкуринка".
В Улан-Удэ выступила мировая джазовая звезда
Максима Горького, д. При любом использовании материалов сайта и сателлитных проектов, гиперссылка hyperlink www. Публикации с пометкой «На правах рекламы», «Новости компании» оплачены рекламодателем.
Представляет собой резервуар из шкуры овцы или козы, вывернутой наизнанку goose , к которому прикрепляются привязываются три бурдонные трубки drones , одна трубка с восемью игровыми отверстиями chanter и специальная короткая трубка для вдувания воздуха. Имеет упрощенную подачу воздуха — через поддувную трубку — обеспечивает свободу правой руке. При игре музыкант piper наполняет воздухом резервуар и, нажимая на него локтем левой руки, заставляет звучать бурдонные и игровую трубки, в свою очередь снабженные специальными язычками тростями , причем, в бурдонных трубках используются одинарные, а в игровой трубке двойные трости, изготовленные из камыша. Ирландская волынка Основная статья: Ирландская волынка Cillian Vallely играет на «полном наборе» ирландской волынки Ирландская волынка англ. Воздух накачивается в мешок при помощи мехов, а не духовой трубки.
Ирландская волынка, в отличие от всех других волынок, имеет диапазон в две полных октавы, а в своём полном варианте также может помимо мелодии играть аккомпанемент с помощью регуляторов. Испанская волынка Называемая также Гайта La gaita , происходит из Галисии, а также Астурии и восточной части провинции Леон. Это, пожалуй, наиболее легкая в освоении и наиболее удобная для камерного исполнения волынка [источник не указан 714 дней] , сочетающая в себе лучшие качества как шотландских, так и восточноевропейских волынок Она состоит из чантера с двойной тростью, такой же как у гобоя, одного или двух басовых бурдонов с одинарными тростями как у кларнета. У чантера внутренний конический канал, семь отверстий для пальцев и с обратной стороны отверстие для большого пальца левой руки. Кроме того, он оснащен тремя незакрывающимися отверстиями находящимися в нижней его части на раструбе. Итальянская волынка Волынки данного региона могут быть разделены на 2 типа — северо-итальянские, по конструкции сходные с французскими и испанскими инструментами, и южно-итальянские, известные под общим названием зампонья итал. Традиционно зампонья используется как аккомпанемент чьярамелле итал.
Французские волынки Во Франции существует множество типов волынки — это связано с большим разнообразием музыкальных традиций районов страны. Вот лишь некоторые из них: Жан Раскалу — исполнитель на овернской кабретте Центральнофранцузская волынка musette du centre, cornemuse du Berry , распространенная в местностях Берри и Бурбонне. Представляет собой двухбурдонный инструмент. Бурдоны — большой и малый, малый расположен с низу, возле чантера, настроены друг с другом в октаву. Трость чантера двойная, бурдонные — одинарные; воздух нагнетается через вдувалку. Звукоряд хроматический, диапазон 1,5 октавы, аппликатура полузакрытая. Существуют более поздние варианты этого инструмента с 3мя бурдонами и мехами для нагнетания воздуха.
Новый расцвет инструмента наступил лишь в 18 веке, когда он стал модной игрушкой французских аристократов. В России и Белоруссии на колесной лире играли бродячие слепые музыканты, калики перехожие, распевавшие под её заунывный аккомпанемент духовные стихи около церквей и монастырских оград, на ярмарках и базарах. Особенно популярна лира была на Украине. Лирники не только сопровождали игрой на инструменте собственное пение духовных стихов, но исполняли и веселые танцы, шуточные песни на свадебных пирах и других сельских увеселениях. В 19 веке на Украине существовали специальные школы лирников. По окончании обучения молодой музыкант держал экзамен по знанию репертуара и владению игрой, после которого получал в награду инструмент и так называемую «визвилку» освобождение на право работать самостоятельно.
Благодаря его коммерческой деятельности инструмент стал необычайно популярен в середине XIX столетия. Первоначально бандонеон использовался при исполнении духовной музыки в церквях Германии. В XIX в.
В России с бандонеоном познакомились в середине 1990-х, когда приобрела широкую известность музыка самого знаменитого бандонеониста — Астора Пьяццоллы 1921—1992. Первым его музыку в нашей стране сыграл Г. Кремер, а потом к этому источнику припали буквально все — от балетных трупп и симфонических оркестров до школьных и народных ансамблей. Популярность Пьяццоллы в нашей стране не имеет границ.