Первое, на что обращает внимание спектакль «Наедине», – претенциозный текст для взрослых американца Дона Нигро, легший в основу сценического повествования. Подборка «Моноспектакли» в Москве. Расписание и покупка билетов онлайн в Москве на Яндекс Афише. монолог с единственным исполнителем. Транслитерация: Monospektakl' Задом наперед читается как: ьлкаткепсоном Моноспектакль состоит из 13 букв. Что такое нравственность, каковы ее правила.
Вы точно человек?
Артист обязан дарить эмоции, а не вовлекаться в них! Галина Павловна Вишневская в своей автобиографической книге «Галина» , рассказывая о прослушивании в Большой театр, упоминает совет Н. Ханаева : «Но запомни на всю жизнь: у тебя во время пения перед глазами всегда должен быть стоп-сигнал. Знаешь, как у машин сзади? Красненький такой огонек…Иначе с твоим темпераментом на сцене костей не соберешь». И все разговоры о том, что «я словно потеряла сознание, меня куда-то унесло во время выступления, я не смогла сдержать слез» и прочие проявления эмоций во время выступления — это непрофессионально! Самоконтроль и еще раз — самоконтроль!
Ну и совет от режиссера - Мария Кнебель в своей книге «Поэзия педагогики» говорит вот о чем цитирую : «Некая грань между я-актер и я-роль всегда присутствует, бы полно не осуществлялся акт перевоплощения. Немирович-Данчкенко говорил, что слезы в жизни отличаются от слез на сцене тем, что плача в жизни, человек испытывает только горе, а плача на сцене еще и радость от верно испытываемого горя. Поэтому Немирович-Данченко и утверждал, что «играть хорошо можно только в хорошем настроении, даже самые трагические роли». Кнебель Поэтому выходить на сцену только с улыбкой и светлым лицом. Даже если потом зазвучит самая трагическая и эмоционально тяжелая песня! Станиславский говорил о «четвертой стене» - то есть о работе, как бы не замечая публики, будто наедине с собой.
Этот прием иногда можно использовать, но, мне кажется, в работе эстрадного артиста очень редко. Без этого все теряет смысл, потому что только отдавая, не скупясь, мы имеем право выходить на сцену. Только искренняя отдача дает тот самый обмен энергиями, который превращает выход артиста даже на одну песню — в событие, в праздник! Тогда не страшен мандраж, а останется только кураж. Вообще разговор о любви к зрителю, это очень важно! Потому что зритель не обязан нас любить.
Но мы обязаны, выходя на сцену, быть преисполненными любви и благодарности этому зрителю. За то, что он сегодня в зале. И тогда песня будет идти от сердца, а нашими устами будет петь сама Любовь. Как научить этому наших детей, как привить им заботливое внимание о каждом слове, о каждой паузе? Хорошо бы личным примером, собственной качественной, профессиональной концертной работой. Очень сложно, особенно, что касается любви и благодарности к публике, потому что такое количество «звезд» «старожилы не упомнят»!!!
А звездам нет дела до простых смертных. Плохие примеры для наших учеников. Никакое — ни личностное, ни творческое, ни профессиональное. И помоги нам Бог в этой нелегкой работе. Глава 4. Построение номера — взгляд и жест.
Выбрана песня. Проработан текст. Все живет и дышит, можно выносить на сцену, ура. И тут возникают два основных вопроса — куда смотреть и что делать с руками? Куда смотреть? Тут, как ни искала, не смогла найти никаких рекомендаций от великих, поэтому буду отталкиваться от собственного опыта.
Опыта, полученного в работе с режиссерами, постановщиками и всякими замечательными людьми! Что делать с руками? Что б не мешали. А они мешают? Еще как! Одну руку мы, конечно, займем микрофоном.
Но проблема серьезная. Опять же, из собственного опыта, приобретенного в сценической работе. Первое — долой «зримую песню»! Этот путь такой соблазнительно легкий, что мы то и дело наблюдаем руки, прикладываемые к сердцу, на соответствующих словах в тексте; руки, изображающие «танец маленьких лебедей», если речь идет о птицах; руки, вздымаемые ввысь, при словах о небе и прочие «буквальности». Иногда это выглядит логично и естественно, но уходить в это направление полностью — я бы не рекомендовала. Возникает вопрос — а нужен ли жест, в принципе?
Я сама над собой ставила эксперимент — убирала жест по максимуму. Смотрю видеозапись — не то! Не хватает! Жест — это выражение экспрессии, эмоций, способ сконцентрировать внимание зрителя, привлечь его. Есть еще один момент — не случайно в начальных классах музыкальных школ, да и у нас на занятиях с малышами, детки поют «с рукой», показывая, дотягиваясь до высоких нот, помогая себе «спускаться по ноткам, как по лесенке» и, тем самым, соединяя в единую координационную систему звукоизвлечение и жест. Мне, всю жизнь с удовольствием поющей под собственный аккомпанемент, эта связанность звука и жеста особенно понятна и необходима.
Второе — жест должен быть, но в той мере, в которой он необходим. Это средство музыкальной выразительности, такое же, как музыкальные оттенки, темповые изменения и т. Следовательно, жест не должен быть чрезмерен. Не сбрасываем руки! Доводим и останавливаем, но осмысленно и логично. Четвертое - не суетиться никогда!
Плавное, сильное движение руки с открытой ладонью — всегда знак отдачи энергии зрителю, в зал! Жестом артист «переливается» в зал, соединяя энергию творчества и любви с энергией зрителя — так возникает общий творческий эгрегор, общее «силовое поле» - после такого выступления и артист, и зритель — счастливы и полны сил! Ворожите руками, гипнотизируйте, захватывайте внимание зрителя — это наша особая артистическая магия, только не «пересолите». Казалось бы, эти вопросы решаются в репетиционном периоде, в классе? Именно — казалось бы! Страх сцены, мандраж, волнение — никто не отменял.
Как я люблю говорить — выполним задачу на двести процентов — дай Бог, на сцене процентов восемьдесят останется. Несомненно, вся эта работа должна быть проведена в классе. Момент экспромта, как высшего проявления творческого порыва, вдохновения — это выход артиста на новый уровень! Когда возникает ясное желание осуществить ту или иную внезапно возникшую задачу, а, главное, полная уверенность в том, что ты СМОЖЕШЬ решить эту задачу прямо сейчас, в процессе выступления! Но это чудо возможно только в состоянии психологического покоя, ясного разума и полной подготовленности, «вбитости» в мышцы и в связки музыкального материала в частности и общей мизансцены. Иначе говоря — профессиональной оснащенности артиста.
Поэтому самый лучший экспромт — подготовлен часами репетиций. Более того — даже мысленное пропевание, проговаривание текста обязательно принесет великолепный результат — так я однажды, не имея возможности петь, проговаривала тексты песен и стихов мысленно и выучила материал так, как никогда ни до, ни после. Ну, и практика, конечно. Ничто и никогда не заменит практики, репетиций, выступлений на любой сцене и в любых условиях. Глава 5. Образ говорящего Ну вот, я обещала, что вернусь к этому важнейшему понятию.
Что это — это сочетание всего, по А. Чехову — «и лицо, и одежда, и душа, и мысли» — в нашем случае — и исполнение, и внешний вид, и поведение на сцене. О чем я — проще, как всегда , на примере — странно выглядит исполнительница в миниюбке и с неимоверно броским макияжем, поющая о чистой и возвышенной любви или исполняющая патриотическую песню в перьях и блестках. Следовательно — все должно соответствовать и сочетаться в номере, все должно работать на образ, на смысл песни, создавать моноспектакль, единство внутреннего и внешнего. Что же, кроме самого исполнителя может помогать или мешать в этом творческом процессе? Естественно, шоу, скажите мне вы.
Конечно, ведь, именно этим странным явлением заменили сейчас хорошую и профессиональную концертную работу.
Цель, поставленная автором, режиссером и актрисой, достигнута: зритель покинул театр совсем другим человеком, не таким, каким он был до спектакля, - более просветленным, умудренным, а главное - он задумался и увидел проблему в ином свете. Мы попросили сценариста и режиссера театра и кино, заслуженного деятеля искусств, главного режиссера экспериментального театра «ЙУГ» Мехрибан Алекперзаде рассказать об особенностях моноспектаклей на азербайджанской сцене. Еще в 1989 году я подготовила моноспектакль по Ж. Кокто «Человеческий голос» в Шукуфой Юсуповой. Считается, что этот жанр театральной постановки у нас особо не прижился и не востребован.
И объясняется это тем, что моноспектакль не рассчитан на массового зрителя, это элитарный вид искусства, ориентирующийся на интеллектуально развитых, духовно глубоких и продвинутых людей. Моноспектакли не любят массовость. Такие работы приемлемы больше для фестивалей, поэтому мы делаем их, когда появляется возможность, которой, впрочем, может и не быть. Именно поэтому каждый такой спектакль дается нам кровью и потом, очень дорогой ценой по всем показателям и, главное, - преодолением затвердевшей косности, примитивного и стереотипного мышления, которое ориентируется на массового зрителя и его, скажем так, не совсем качественный вкус. Сегодня в эпоху глобального экономического кризиса даже в плане декора, каким бы он ни был примитивным и скудным, мы сталкиваемся с недостатком средств. Могу сказать, что моноспектакли не специфичны для азербайджанского зрителя, они предназначены для конкретного сегмента зрителей в качестве духовной пищи, потому что такие спектакли тут же превращаются в духовную потребность, особенно, если в них затрагиваются месседжи национального, морально-нравственного и социального характера.
Подобные постановки требуют непосредственного общения актера со зрителем, ощущения его горячего дыхания и, соответственно, переживаний. Велиевой «Наказание» с Кямалей Музаффар Гусейновой в главной роли. Как вы «увидели» эту актрису в подобном амплуа? Однако дело в том, что мы могли бы вообще вернуться ни с чем, потому что наши спектакли были наравне со спектаклем Ростовского театра, в котором было задействовано тридцать актеров и массовые сцены, а у нас был всего один моноспектакль с одной актрисой.
Его трудно не заметить. Должен быть артист, который имеет право выходить и занимать время зрителей. Целый час отрывать тебя от других повседневных дел. Этот человек должен обладать каким-то магнетизмом.
Должно быть интересно, о чём он думает, что он делает, почему он взял именно это произведение, с которым здесь и сейчас перед нами работает, - уверен художественный руководитель Драматического Лицейского театра Сергей Тимофеев. Смотрите наш спецрепортаж и вы узнаете, что делает моноспектакль удачным, почему актёры в него идут и как его создают.
Иногда даже сочувствуешь. Кроме того, в основе ее монолога — реальная биография вполне реальной женщины — писательницы-феминистки, первом авторе женских эротических рассказов Анаис Нин. Но она убедительна в предложенном ей образе абстрактной девушки-нимфы из мужских грез. И справляется с задачей снизить градус переживаний ближе к финалу — завершить спектакль на выдохе, а не на вдохе. Ее героиня не решается впустить мужчину в свою жизнь снова, ее одиночество продиктовано всего лишь страхом близости.
А не убийством. И не другими страшными грехами. Художник Нана Абдрашитова, не впервые работающая с Кобелевым и чувствующая его лаконичный режиссерский почерк, сделала основой сценографии спектакля «лобное место» — наклоненную круглую плоскость и точно такую же — с видеоэкраном — над ней. Функциональных трансформаций такая сцена переживает множество, но не противоречит ни активному прокату так или иначе, а «Наедине» — антреприза , ни режиссерской задумке показать прежде всего актерские работы. Все сдержанно, но стильно и местами очень эффектно. Чего только стоит серое платье-облако с фижмами, спускающееся на тросах к героине Исаковой.
Моноспектакль как театр одного актера
Ленсовета, режиссер — Анджей Бубень Олег Рязанцев За виртуозное воплощение новой драмы в спектакле «Друг мой» «Невидимый театр», режиссер — Семен Серзин Международный этап прошел с 1 по 7 марта, в программу вошли 9 спектаклей из Армении, Королевства Бахрейн, Казахстана и России. Также в афишу вошли три спектакля-победителя Петербургского этапа. В состав жюри Международного этапа вошли: Екатерина Морозова, кандидат искусствоведения, старший научный сотрудник Государственного института искусствознания, доцент ГИТИСа, Высшей школы деятелей сценического искусства им.
Режиссер и исполнитель Игорь Ларин. Божественная, бесовская сила театра, его удивительная способность возвышать и уничтожать человека, попавшего в атмосферу театрального закулисья, в спектакле раскрывается через судьбу главного героя — писателя Максудова. Piccola Compagnia della Magnolia Италия, Турин. Режиссер и исполнитель Джорджа Черрути. Герои спектакля — мать и сын, оказавшиеся в вымышленном месте и времени.
Зрителю представлен монолог матери, которая много лет тому назад ослепила бога своей красотой настолько, что тот спустился на землю в обличье животного и овладел ею. Гиперболическая, парадоксальная беременность завершилась рождением тринадцати детей, каждый из которых унаследовал по одной черте своего божественного родителя. Каждый, кроме самого младшего сына. Мать посвятила свою жизнь тому, чтобы спрятать и защитить самое слабое свое дитя, отстоять его у надвигающегося Хаоса. Автор, режиссер и исполнитель Павел Семченко. Павел Семченко в своей новой сольной работе сочиняет, по его собственному выражению, «сложные человеко-предметные образы-действия», создает одушевляемый натюрморт, играющий как мини-оркестр и двигающийся как неоклассический псевдобалет.
Символизм в моноспектакле играет особую роль. В этом жанре для режиссера важно подчеркнуть подтекст в драме, не договорить, а заставить зрителя додуматься до всего самому. И здесь символом служат элементы декорации. История этого театрального жанра восходит к началу XVIII века, когда театральные вечера проводились в узких кругах и не были рассчитаны на широкую публику. В середине века появляется жанр, отдаленно напоминающий современный моноспектакль, - мелодекламация, в котором драматические артисты читали произведения с музыкальным сопровождением. Основателем этого жанра в русском театре по праву считается В. Яхонтов, которого до него не было. Жанр театра одного актера явился синтезом искусства актера, художественного слова и исследования литературы. Влияние актера на подачу и идею постановки в жанре «моно» в разы выше, чем у артистов обычного спектакля. Имеется в виду неповторимость и всегда разная тональность самого произведения. Спектакль с участием нескольких актеров есть отражение понимания и видения пьесы режиссера, тогда как моноспектакль есть сам актер и в этом случае он становится создателем сценического действа. Как правило, моноспектакли имеют драматический сюжет. Произведений, которые служат основой для моноспектаклей, немало: это «Четырнадцать писем к Богу» с А. Фрейндлих, произведение-монолог немецкого писателя и сценариста Патрика Зюскенда «Контрабас» с Константином Райкиным и др. В последние годы мы становимся свидетелями развития этого уникального театрального жанра и в Азербайджане, к которому обращаются отдельные наши театральные деятели, я бы сказала, наиболее продвинутые и уверенные в себе режиссеры.
В спектакле актер рассуждает вспоминает истоки слова "суфлер", которое происходит с одной стороны от глагола "дышать" да, суфлер дышит вместе с актером , а с другой от "шептать", но герой Андреаса Олссона не шепчет, а кричит. Кричит его душа. От боли, от одиночества, от своей ненужности. Подсказчик давал актерам уверенность и безопасность. Теперь это не модно. Ему было важно "не дать петуха", как бы смешно это не звучало; он боялся подсказать актерам "не тот текст". Это не так! Лучшее время, когда я не подсказываю актеру во время спектакля", — произносит герой. Фото: Фестиваль "Сезон Станиславского" На смену театру актерскому пришел театр режиссерский. Артисты стали лучше учить свои роли.
Жанр моноспектакль, как высший пилотаж
Рассказываем об истории появления жанра моноспектакля, его особенностях и актуальных постановках в Петербургских театрах. С 1 по 10 октября на сцене Театрального центра СТД РФ «На Страстном» пройдет XII Московский международный театральный фестиваль SOLO, который представит 10 лучших моноспектаклей из России, Франции, Италии, Болгарии, Бельгии, Великобритании. Театром одного актера, или моноспектаклем, называют театральную постановку, в которой участвует всего один исполнитель.
Елена Попова: "Любой моноспектакль - это попытка разобраться с собой"
Главная Новоcти Анонсы Фестиваль моноспектаклей «Монокль» выходит на международный этап. Спектакль был впервые показан на фестивале моноспектаклей «Монокль» (в 2009 г. – прим. Авт.). С 1 по 10 октября на сцене Театрального центра СТД РФ «На Страстном» пройдет XII Московский международный театральный фестиваль SOLO, который представит 10 лучших моноспектаклей из России, Франции, Италии, Болгарии, Бельгии, Великобритании. «Тиран, абьюзер, деспот», — шепталась публика в антракте, обсуждая главного героя моноспектакля «Кроткая», которого сыграл Сергей Гармаш. О постановке повести Достоевского актер задумался еще до своего скандального ухода из «Современника» и смерти Галины Волчек.
Стоянов и Никоненко представят моноспектакли "Поэт в России - больше, чем поэт!"
И актер, оставаясь один на один со зрительным залом, каждый раз пытается понять сам, и найти ответ вместе со зрителями. Но и зритель должен быть мыслящим! Человек может задумываться о каких-то серьезных вещах уже в раннем возрасте. А это значит, что спектакль и о зрителях тоже. И тогда актер создает на спектакле свой мир, свое времяисчисление, глядя в зал именно в этот час, в этот миг, выражая свое видение... И если исполнитель сможет взволновать поднятой темой, значит и сидящие в зале также начинают жить в унисон с героем пьесы и непременно найдут для себя ответы. Являясь частью театральной культуры, моноспектакль - это странствие, путешествие по жизни героя.
Нужно каждый раз пройти одни и те же испытания, один и тот же жизненный путь. И только после этого актер становится действительно героем. Некоторые игровые произведения изначальна пишутся для одного актера, а иногда и под конкретного исполнителя. Инсценировка пьесы в этом случае адаптирована также под единственного мастера сцены и выстраивается в определенной последовательности. Игра всегда неповторима, ведь между спектаклями актер как бы находится в необычном промежуточном состоянии, то есть в реальной жизни - жизни как границы между сыгранным спектаклем и предстоящей игрой. Это состояние очень похоже на временную слепоту, молчание внутри себя и даже на ничем незащищенную наготу чувств.
То есть, актер находится в некоторой оторванности от реальности и ему предстоит на сцене перерождение, расколдование мира.
Вся повесть — это диалог он же монолог супруга с женой и это его первая попытка откровенного разговора. В постановке Виктора Крамера а в Малом он выступил и как режиссер, и как автор инсценировки и сценографии эта завязка опущена.
Все начинается с образа Богоматери, который 16-летняя кроткая девушка с большими голубыми и задумчивыми глазами приносит в лавку ростовщика, чтобы заложить. Впрочем, физически кроткой на сцене словно нет: об их знакомстве рассказывает ростовщик — Сергей Гармаш. Как раз тогда, когда девушка приносит ему иконку в серебряном окладе, герой и решает жениться на сиротке, узнает о ней все, делает предложение, и та, к его удивлению, соглашается а ведь у нее был выбор.
Поначалу они вроде как счастливы: ростовщик учит стрелять ее из револьвера, который хранит в лавке на всякий случай, они проводят вместе дни и вечера. Но вскоре выстраивает свою «идеальную» политику отношений — молчание. Он полностью контролирует ее жизнь, выводит ее иногда в театр или на прогулки, смотрит, как она читает вечерами, но не разговаривает с юной женой.
Эти игры в безмолвие, строгость и подавляющий контроль в итоге доведут девушку до страшного решения расстаться с жизнью. Но перематывая события назад, переживая их вновь, герой так и не осознает своей вины. Хотя вскользь обмолвится, что мучил ее… Сценография пьесы точно отражает конфликт героев и дает «ключи» к повести Достоевского она пусть и короткая, но оставляет в читателе глубокий след — не случайно Юрий Башмет после премьеры сказал, что две недели не мог прийти в себя после прочтения.
На сцене три серых стеллажа со множеством ящиков, которые упираются чуть ли не в небо. Эти подвижные декорации красноречиво дополняют образ героя, замкнутого на себе его можно было бы называть «человеком в футляре», однако чеховский персонаж родился на 20 лет позже этого героя Достоевского.
За прошедший год в Омске, например, фактически закрылся ЦСД. Может быть, современная драматургия стала не такой модной? Я, как завлит, замечаю: стало появляться меньше интересных современных пьес.
Но не случается такого, что пьеса "пожаром" идёт по стране, как было, например, с "Горкой" Алексея Житковского, которую поставили везде - от Театра на Таганке до Сахалинского театрального центра. Почему-то в последнее время таких явных лидеров в драматургии нет. Более того, современные драматурги уходят в формат инсценировок: тот же самый Житковский или Ярослава Пулинович много работают сейчас над созданием драматургических версий классической прозы. Поэтому, наверное, Центры современной драматургии и не находят материала, нет такого всплеска. С другой стороны, возможно, есть момент не пресыщения, но насыщенности этого "сегмента".
Потому что, скажем честно: это достаточно узкое направление и нужен определённый зритель, который готов воспринимать современную драматургию. В рамках VI Всероссийского фестиваля моноспектаклей "ЧАТ" зрители уже увидели постановки от московских театров "Практика" и театральной лаборатории "КукLAb", саратовского театра кукол "Теремок" и омского Драматического Лицейского театра.
А сам моноспектакль, впрочем как и любой творческий проект, это результат работы большого коллектива специалистов. Если мы говорим о проекте — команды проекта и не только. Команда проекта это как актер в моноспектакле. Команда нашего проекта «Ступени творчества — развитие» объединяет специалистов — профессионалов и актеров любительского театра-студии «Премьер». Проект «Ступени творчества — развитие» А кто же помогает команде- актеру реализовать творческий проект — моноспектакль в жизнь? Кто остается невидимым для неискушенного зрителя?
Партнеры проекта. Партнер — один из равноправных участников совместной деятельности в игре, танце, бизнесе, на сцене и т. Очень часто именно работа партнеров остается в тени, о ней мало говорят и знают только посвященные в сам процесс реализации проекта.
О монопьесах
Моноспектакль — статья из Интернет-энциклопедии для Моноспектакль Ангелины Засенцевой «Лес. Ангелина» – это история её жизни, рассказанная на пределе искренности. это действо, когда на сцене на протяжении всей пьесы находится только один единственный исполнитель.
Моноспектакль
Приводим полную программу театрального фестиваля. Основная сцена. Режиссер и исполнитель Роберто Латини. По словам режиссера этот спектакль — «это версия версии. Мы сохраняем мюллеровскую структуру, его деление на главы или, скорее, места действия и собираем новую конструкцию, театральный механизм, карусель, на которой встречаются трагедия и комедия». Московский театр «У Никитских ворот» Россия, Москва.
Автор и режиссер спектакля Марк Розовский, исполнитель Марина Кайдалова. Марк Розовский предлагает вниманию зрителей современное переосмысление известной пьесы чешского драматурга Карела Чапека «Мать» — монолог женщины, пять сыновей и муж которой сражаются и погибают на войне. Созданная в 1937 году, она стала итоговым произведением в творчестве писателя и произвела на зрителя колоссальный фурор. Театр «Монплезир» Россия, Санкт-Петербург. Режиссер и исполнитель Игорь Ларин.
Черепанова в исполнении К. В 2008 году выходит моноспектакль «1900» режиссер и исполнитель — О. Особенность жанра[ править править код ] Моноспектакль имеет, как правило, драматический сюжет. Так, например, в основе спектакля «Контрабас» лежит тема маленького человека. Однако Райкин и Хабенский рассказывают о разных «маленьких людях». Если контрабасист Райкина — это опустившийся, мерзкий, ополчившийся на весь мир человек, вызывающий отвращение, то музыкант Хабенского — суматошный чудак, который всю жизнь стремился к признанию и любви, но в итоге так ничего и не добился. Все, что остается зрителю — пожалеть его [10]. Наблюдая привычную театральную постановку мы не задумываемся о том, как затрачиваются в конкретный момент артисты, так как они в совокупности с тщательно продуманными декорациями, костюмами и реквизитом создают внутри нас особую атмосферу происходящего действа. Имеется в виду неповторимость и всегда разная тональность самого произведения.
Спектакль, с участием нескольких актеров — есть отражение создателя, то есть режиссёра, тогда как моноспектакль — это и есть сам актер и в этом случае он — создатель.
Подсказчик давал актерам уверенность и безопасность. Теперь это не модно. Ему было важно "не дать петуха", как бы смешно это не звучало; он боялся подсказать актерам "не тот текст". Это не так! Лучшее время, когда я не подсказываю актеру во время спектакля", — произносит герой. Фото: Фестиваль "Сезон Станиславского" На смену театру актерскому пришел театр режиссерский. Артисты стали лучше учить свои роли. А раз так, то куда деваться подсказчику? С настоящим неподдельным чувством играет он роль, глядя на свою возлюбленную в роли Роксаны.
Потом тихо уходит со сцены.
Ведь хорошо, если действительно, человек понимает, о чем поет. И хорошо, если у исполнителя «хороший» английский. А то ведь исполнению на иностранном языке может сопутствовать две проблемы — «смесь французского с нижегородским» А. Грибоедов, «Горе от ума» — самое печальное, что зритель, сам, возможно, не владея иностранным языком, прекрасно слышит плохое произношение несчастного певца! Ну и вторая проблема, которую осветил Михаил Козаков в своей книге «Фрагменты ». Перефразируя разговор идет о том, можно ли снимать фильмы о загранице , скажем так — почему нельзя петь песни на иностранном языке?
Суть, мне кажется в том, что бы не впасть в иностранный тон» М. То есть — оставаться самим собой. А этого проще добиться, если остаться в стихии родного языка. Проще создать образ, продумать и прочувствовать текст, сочетать его с музыкой и, в конце концов, прийти именно к красивому и психологически логичному исполнению. Подводя итог первой главы, вот, что хочу сказать. Про возрастное соответствие исполнителя и песни - понятно. Это момент, обеспечивающий единство восприятия музыкально-эмоциональной информации.
И задача педагога со стороны грамотно оценить и порекомендовать музыкальный материал, соответствующий возрасту и уровню душевной зрелости. Но вопрос пения по-русски сейчас, во время тотального пренебрежения родным языком, беспрецедентной, всеобщей неграмотности — этот вопрос стоит так остро, что для меня, несомненно, выходит на первый план. Не потому, что не могли петь на иностранном языке. А потому, что для них было совершенно естественно петь на том же языке, на котором они думают. На своем родном языке. Мне кажется, это прекрасный пример для нас и для наших учеников. Глава 2.
Работа над текстом. Я сознательно опускаю работу над музыкальным материалом, поскольку эта часть разучивания и подготовки концертного номера сама собой разумеется. Единственно, о чем можно сказать, так это о том, что в наших программах катастрофически мало часов предполагается посвятить сольфеджио. И сознание детей совершенно не расположено к изучению этого интереснейшего и жизненно необходимого исполнителю предмета. А ведь насколько проще было бы взять ноты понравившейся песни и спокойно все выучить! Но, с другой стороны, несомненно, развивается способность восприятия музыки на слух. То, что в эстрадной работе ценится «на вес золота».
Я сама, не обладая «абсолютным» слухом, но, обладая слухом очень хорошим, могу сыграть практически любую знакомую песню, «подобрать», как говорят музыканты. И это навык , пожалуй пригодился мне в жизни гораздо сильнее, чем навык «чтения с листа». Так что процесс разучивания музыкальной части — естественно происходит и самостоятельно, и под контролем педагога. В конце концов, любая мелодия запоминается, выучивается и свободно сольфеджируется. А вот этап работы над текстом, это особая история. Ибо текст — то, что делает песню — песней, вернее дает возможность создания продукта, концертного номера. Интерпретация текста — это абсолютно творческий процесс.
Что, на мой взгляд , необходимо: Читаем текст, как стихи. Не просто читаем — а выписываем его распечатываем и, с карандашом в руках, ищем смысловые акценты, главные слова, выстраиваем фразу - не только музыкальную, но и смысловую. Вообще чтение стихов — это такая школа, значение которой в работе артиста трудно переоценить! Это и работа над дикцией и артикуляцией, и умение донести смысл, и развитие способности к концентрации, «взятии» публики и многое другое! Работа над снятием психологических «зажимов», которых у современных деток печально много… Но тут уже начинается область психологии, а это не входит в мои полномочия. Однако почитать текст, как стихи, придется. Если речь идет о построении концертного номера, хочется верить, что мы работаем с сознательным человеком, желающим овладеть тайнами мастерства, и он пойдет даже на такие испытания, как чтение стихов!
Как ни странно — простой вопрос, но часто ставит в тупик. Казалось бы — какая разница, ощущаешь ты подтекст песни или нет? Зрителю же ты не докладываешь об этом? Вот тут позволю себе привести в пример собственный опыт построения отделения концертной программы. Мой отец был создателем жанра «композиции», то есть логичного по смыслу перехода, перетекания стихов в песни и наоборот. Это был взрыв и откровение. Я, начав сольную деятельность взяла отцовский опыт на вооружение и стала создавать свои композиции, соединяя свои песни со своими же стихами.
Каждый раз я выстраивала программу таким образом, что бы эмоциональное развитие шло непременно вверх, к свету, к радости. Казалось бы — ничего никогда я публике не объясняла. Следовательно — если у артиста есть понимание текста, подтекста, сверхзадачи конкретно этого музыкального номера, который мы стремимся превратить в моноспектакль — зритель это непременно почувствует! Так что — работаем над текстом, продумываем его, как монолог Гамлета, и все будет прекрасно. Глава 3. Музыкально-драматическая режиссура в построении песни, как моноспектакля. Почему именно музыкально-драматическая?
О построении именно НОМЕРА, с учетом всего — костюма, грима, возможных декораций и аксессуаров, я буду говорить позже. А сейчас хочется поговорить именно о музыкально-драматургической части работы. Вспомним азы музыкального образования. Необычайно емкое понятие сонатного аллегро является, по сути, формулой жизни. С чем пришли, как несли и с чем уходим. Но, не отвлекаясь на философию, - грамотно выстроенная песня всегда должна быть в форме сонатного аллегро: экспозиция, разработка и реприза. Где экспозиция, это исходный материал, то, что нам дано и то, что мы должны преобразовать, приумножить и усовершенствовать!
Далее — разработка: столкновение с жизнью, с обстоятельствами, бедами и радостями. А реприза — это результат всего пережитого. То, с чем мы вышли и к чему пришли. Если песня будет разобрана таким образом, с четким внутренним ощущением и обоснованием где и что и, главное, почему происходит, как меняется эмоциональный настрой, а в соответствии с ним — нюансы, если совпадут смысловые и музыкальные акценты, если песня будет пережита и осмыслена — это и будет настоящий моноспектакль! О нюансах — они заслуживают отдельного разговора. Как все мы знаем, музыкальные оттенки или нюансы, это одно из ярчайших средств музыкальной выразительности. Нежное итальянское слово fortissimo не отражает суть явления всеобщего ора.
И никто не помнит и не хочет вспоминать - какое чудо — pianissimo, а какая прелесть diminuendo, ну и так далее. С этим очень трудно бороться. Врачи уже бьют тревогу, поскольку общее снижение слуха у людей, у детей, уже становится проблемой массового характера. Отсутствие желание мыслить — кругом fast food. Проще, когда громко и весело, чем, когда тихо и вдумчиво. Это тема очень актуальна и болезненна, но это наша реальность. И задача педагога, при создании, при выращивании артиста — воспитание!
Один в поле не воин, но «возьмемся за руки, друзья! В паузах — дыхание Божье. Слушая паузу — слушаем Бога! Поэтому тишины, паузы в песне не стоит бояться. Вспоминая любимый «Театр» Сомерсета Моэма — «если уж сделала паузу, то тяни ее, сколько можешь! А нужно бережно и грамотно использовать. Пауза, возникшая в момент эмоционального подъема, всплеска, заставляет зал ахнуть и замереть вместе с артистом, забыв дышать!
Это очень сильное средство и его нельзя «замыливать», слишком часто используя. Но грамотно, вовремя взятая пауза подарит и артисту, и зрителю настоящую эмоциональную победу. Хочется отдельно поговорить об эмоциях, чувствах и их выражении при исполнении музыкального произведения.